Tombolo presses est une maison d’édition sensible à la culture visuelle et aux affinités du graphisme. Fondée et dirigée par les pédagogues Thierry Chancogne et Florence Aknin, Tombolo Presses est accompagnée par une communauté constamment renouvelée d’amis, partenaires et étudiants.
Tombolo Presses is a publishing house sensitive to visual culture and all things graphic design. Founded and directed by teachers Thierry Chancogne and Florence Aknin, Tombolo Presses is supported by a renewed community of friends, partners and students.
En 1975, le collectif anglais des Hackney Flashers expose ses premiers travaux d’agitprop, Women and Work. Cette série de photographies légendées porte sur les différences de salaire entre femmes et hommes. Pour mener l’enquête, le collectif s’est rendu sur les lieux de travail des femmes du quartier londonien de Hackney, de même que dans les manifestations où les ouvrières, employées ou encore commerçantes revendiquent de meilleures conditions de travail et de vie pour elles, leurs enfants, leur famille. Les Hackney Flashers dédient le dernier panneau de Women and Work à ces luttes joyeuses : elles l’accompagnent de l’enthousiaste légende manuscrite « There is hope for change, so we’ve got to fight » (« Il y a de l’espoir pour le changement. Alors luttons »). Ce slogan est emblématique de l’énergie qui anime le collectif, engagé dès ses débuts dans une dénonciation sans détour des injustices profondes que subissent les femmes de leur quartier, tout en nous enjoignant de ne jamais nous laisser abattre.
Pour accompagner l’édition Parents Must Unite + Fight, Coline Sunier et Charles Mazé ont imaginé ces t.shirts noirs, blancs, jaunes, frappés du slogan « There is hope for change » sur le torse et « So we’ve got to fight » sur le dos composé dans la typographie Axo dessinée par Charles Mazé.
In 1975, the Hackney Flashers exhibited their first agitprop work, Women and Work. This series of captioned photographs focused on the wage gap between men and women. To carry out the investigation, the collective visited women’s workplaces in the London borough of Hackney, as well as demonstrations where women workers and shopkeepers were demanding better working and living conditions for themselves, their children and their families. The Hackney Flashers dedicate the final Women and Work panel to these joyful struggles: they accompany it with the enthusiastic handwritten caption “There is hope for change, so we’ve got to fight”. This slogan is emblematic of the energy that drives the collective, committed from the outset to an outspoken denunciation of the profound injustices suffered by the women of their neighborhood, while urging us never to give up.
To accompany the Parents Must Unite + Fight edition, Coline Sunier and Charles Mazé designed these black, white and yellow t.shirts, with the slogan “There is hope for change” on the chest and “So we’ve got to fight” on the back in Axo typography designed by Charles Mazé.
Conception graphique / Layout: Coline Sunier & Charles Mazé
T-shirts I Stanley Crafter Noir / Black – Blanc / White – Spectra Yellow
Sérigraphie noir ou blanc / Silkscreen black or white: Useless Pride, L’Union
Première édition / First issue: 2XXS / 2XS / 4S / 4XL typo blanche sur t-shirt noir / white font on black t-shirt / 3 122-126 / 4 110-116 / 3 98-104 / 2XXS / 2XS / 4S / 1M / 4XL typo noire sur t-shirt blanc / black font on white t-shirt / 2XXS / 3XS / typo noire sur t-shirt jaune / black font on yellow t-shirt
Novembre / November 2024
35 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Vous pourrez choisir votre modèle dans l’interface Paypal / You can choose your model in the Paypal interface
T-shirts « Parents Must Unite + Fight »
À partir de 1843, la botaniste Anna Atkins commença à faire paraître des herbiers réalisés par cyanotype. Une technique de photographie par contact direct de la plante avec un support imbibé d’une solution sensible à la lumière qui produit une trace de fantôme blanc sur fond bleu de Prusse, bleu cyan, d’où son nom. C’était la première fois que le végétal, présence vivante déterminante de notre environnement, se révélait par une empreinte mécanique durable sur la place publique.
Récemment, Alban-Paul Valmary, qui aime justement à produire ses traces graphiques dans l’espace partagé du monde, a réinvesti cette technique pour afficher des bouquets de renouées du Japon et des enchevêtrements de cordages à l’échelle monumentale des voiles rectangulaires des bateaux traditionnels de Loire : toues, fûtraux et autres gabares. Cette performance, réalisée lors d’une résidence Excellence métiers d’Art conduite avec des DnMade Graphisme de l’Ésaab de Nevers, était pour Alban-Paul une forme d’hommage à la corporation populaire et marginale des mariniers. Une corporation courageuse et rugueuse qui anima, depuis l’océan Atlantique jusqu’au plus loin de l’intérieur des terres, les échanges de marchandises, de cultures et d’espèces naturelles plus ou moins désirées. Comme ce bivalve, venu des Philippines, qui mit fin à la carrière de pêcheur professionnel de Jean-Marc « Bibi » Benoît, partenaire essentiel du projet et figure du dernier fleuve sauvage européen. Comme cette renouée du Japon, plante souvent rejetée qui est pourtant, en Extrême-Orient, une plante fourragère, médicinale et culinaire appréciée. Ici un marqueur mellifère des espaces pollués dont elle participe à restaurer l’habitabilité.
Autour des terres ligériennes et de leurs cultures d’hier et d’aujourd’hui, avec ce projet, Alban-Paul a voulu renouer avec les enchevêtrements du vivant et nouer avec les étudiants, les habitants, les associations locales : Terrains Communs, Pirate Baratte, Tombolo Presses, des sociabilités, des amitiés.
From 1843 onwards, botanist Anna Atkins began to publish herbariums produced using the cyanotype technique. This photographic technique involves direct contact between the plant and a support soaked in a light-sensitive solution, producing a ghostly white trace on a Prussian or cyan blue background, hence the name cyanotype. It was the first time that plants, the living presence of our environment, were revealed in a lasting mechanical imprint in the public square.
Recently, Alban-Paul Valmary, who likes to produce his graphic traces in the shared space of the world, reinvested this technique to display bouquets of Japanese knotweed and tangles of ropes on the monumental scale of the rectangular sails of traditional Loire boats: toues, fûtraux and other gabares. For Alban-Paul, this performance, created during an Excellence métiers d'Art residency with DnMade Graphisme students from the Ésaab school in Nevers, was a tribute to the popular and marginal guild of bargemen. A courageous and rough-hewn guild that, from the Atlantic Ocean to the farthest inland, animated the exchange of goods, cultures and natural species more or less desired. Like the bivalve from the Philippines that put an end to the professional fishing career of Jean-Marc “Bibi” Benoît, an essential partner in the project and a figure on the Europe's last wild river. Like Japanese knotweed, a plant that is often rejected, yet in the Far East is a popular forage, medicinal and culinary plant. Here, it's a melliferous marker of polluted areas, helping to restore their habitability.
With this project, Alban-Paul set out to reconnect with the tangles of life in the Loire region and to forge social ties and friendships with students, local residents and associations such as Terrains Communs, Pirate Baratte and Tombolo Presses.
Cette édition a été publiée dans le cadre de l’exposition de restitution de la résidence Excellence Métier d’Art d’Alban Paul avec les DnMade Graphisme de l’Ésaab Nevers / This publication was released as part of the restitution exhibition of the Excellence Métier d’Art residency by Alban Paul with the DnMade Graphic Design of Ésaab Nevers
Texte / Text: Tony Côme
Photo: Maxime Felix, Linaelle Rethore
Mise en page / Layout: Alban-Paul Valmary
Format fermé / Closed ended format: 250 x 350 mm
Format ouvert / Open ended format: 500 x 350 mm
Format Poster / Poster size: 700 x 1000 mm
Impression verso / Verso printing : Sérigraphie / Silkscreen printing, Chez atelier Olivier Bral
Première édition / First issue: 150 exemplaires / copies
Décembre / December 2024
5 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Faire courant commun: des renouées, des chevêtres et des mondes à recomposer Collection Ravisius Textor
L’ouvrage constitue la première monographie dédiée au collectif des Hackney Flashers, un groupe de neuf femmes activistes qui ont pratiqué l’agitprop de 1974 à 1980 dans le quartier populaire de Hackney à Londres. Il réunit et reproduit de façon inédite l’ensemble de leurs trois séries, Women and Work (1975), Who’s Holding the Baby? (1978) et Domestic Labour and Visual Representation (1980). Leurs travaux dénoncent les inégalités de salaire entre femmes et hommes, la double journée de travail pour les mères et les images mi-infantiles, mi-glamour des femmes que diffusent les médias de l’époque. Photographe, journaliste, éditrice, graphiste, illustratrice : les profils de ce groupe féministe socialiste et non-mixte ont donné toute sa singularité à une pratique d’affichage dans des espaces publics de panneaux composés d’images, de texte, de slogans et d’illustrations. Les Hackney Flashers ont produit une forme de propagande, pour reprendre leurs termes, s’intéressant à tout un faisceau de discriminations sociales : autrement dit, une pratique intersectionnelle avant la lettre.
The book constitutes the first monograph dedicated to the Hackney Flashers collective, a group of nine activist women who engaged in agitprop from 1974 to 1980 in the working-class neighborhood of Hackney in London. It uniquely brings together and reproduces all three of their series: Women and Work (1975), Who’s Holding the Baby? (1978), and Domestic Labour and Visual Representation (1980). Their works denounce wage inequalities between women and men, the double burden of work for mothers, and the half-infantile, half-glamorous images of women disseminated by the media of the time. Photographer, journalist, editor, graphic designer, illustrator: the profiles of this non-mixed socialist feminist group gave its practice of public display a distinctive character, featuring panels composed of images, text, slogans, and illustrations. The Hackney Flashers produced a form of propaganda, to use their own words, addressing a range of social discriminations—essentially, an intersectional practice before the term was widely used.
Un ouvrage réalisé dans le cadre du programme de soutien à la création artistique Mondes nouveaux / Produced as part of the Mondes nouveaux’s support programme for artistic creation.
Direction éditoriale / Editorial direction: Camille Richert, assistée de / assisted by Henriette Gillerot
Coordination éditoriale et relecture / Editorial coordination and proofreading: Camille Richert, Thierry Chancogne, Marie Caillat (FR) et / and Marc Feustel (EN)
Textes / Texts: Camille Richert
Iconographie / Iconography: Camille Richert avec / with Henriette Gillerot et / and Charles Mazé & Coline Sunier
Mise en livre / Graphic design: Charles Mazé & Coline Sunier
Caractères / Typefaces: Axo (Abyme)
Langues / Language: Français-anglais / French-english
220 x 315 mm
Papiers / Papers: Munken Polar 120g, Lessebo Color Canary Yellow 80g
Reliure / Binding: Couverture rigide, reliure bodonienne / Hardcover, bodonian binding
Impression / printing : Die Keure, Belgique / Belgium
Première édition / First issue: 1000 exemplaires / copies
Novembre/ November 2024
ISBN: 979-10-96155-56-9
EAN: 9791096155569
38 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Parents Must Unite + Fight. Hackney Flashers: Agitprop, Work, and Socialist Feminism in England
La première monographie d’Eva Taulois partage avec Jean-Philippe Bretin, son metteur en livre, Clara Schulmann et Liza Maignan, ses principales rédactrices, une expérience de la pensée de l’exposition en lien avec ses lieux, ses contextes, ses rencontres. Il s’agit à la fois de réfléchir les formes du catalogue et de rendre visible des singularités, des rapprochements, des différences : de créer le trouble dans la narration et le rapport affectif au livre. Il s’agit aussi de rendre compte d’une pratique de formes de la peinture, de la sculpture, de l’installation qui tentent de tenir et de développer une autonomie dans la fluidité.
The first monograph of Eva Taulois shares an exploration of the thought of the exhibition in relation to its spaces, contexts, and encounters, alongside Jean-Philippe Bretin, its designer, Clara Schulmann, and Liza Maignan, its main editors. It aims to reflect on the forms of the catalogue while making visible singularities, connections, and differences—creating a disruption in the narrative and the emotional relationship to the book. It also seeks to account for a practice of forms in painting, sculpture, and installation that attempts to maintain and develop autonomy within fluidity.
Ce livre est publié avec le soutien de / This book is published with the support of Cnap, la Région des Pays de la Loire, l'Adagp, Chapelle Saint-Jacques Centre d’art contemporain, L'Arthotèque Espaces d’art contemporain de Caen, EESAB-site de Quimper, Documents d’artistes Bretagne, Réseau documents d’artistes, Les Capucins Centre d’art contemporain Embrun, Paradise centre d’art contemporain Nantes.
Textes / Texts: Liza Maignan, Valérie Mazouin, Yvan Poulain, Clara Schulmann
Conception graphique / Layout: Jean-Philippe Bretin et Ewen Guehenneux
Caractères / Typefaces: Nimbus Roman, RL Refusit, Neue Haas Grotesk
Traduction / Translated by : James Horton
Relecture / Proofreading: Stéphanie Geel
Langues / Language: Français-anglais French-english
Première édition / First issue: 700 exemplaires / copies
Novembre/ November 2024
ISBN: 979-10-96155-57-6
EAN: 9791096155576
30 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Paravents
Le premier juillet 1978, à 9 heures du soir, prit fin dans les ateliers de composition du New York Times, l’ère Gutenberg de la composition mécanique au plomb avec toutes ses améliorations de composeuses fondeuses Ludlow ou Linotype. Une nouvelle ère électronique de photocomposition automatisée à froid s’ouvrait. Tout un savoir-faire ingénierial et ouvrier devenait obsolète. Les opérateurs, correcteurs, fondeurs, photograveurs et autres compositeurs qui perdaient là une partie de leur vie, de leurs relations de travail et à plus ou moins long terme, sans doute leur emploi, étaient tristes et inquiets. « Ils appellent cela le progrès mais ça ne l’est pas ! » pouvait déclarer l’un deux. Un autre écrivait à la craie blanche sur un tableau vert d’un beau lettrage en capitales d’expert en typographie, un genre de poème nostalgique : « La fin d’une ère / C’était bien mais ça a une fin / Pleurer ne nous sera d’aucun secours ». Olivier Lebrun célèbre ce moment difficile de l’histoire industrielle des ouvriers de la chaîne graphique qui peut avoir quelque écho aujourd’hui, dans un monde à l’habitabilité en danger qui attend urgemment son changement d’ère.
Le film Farewell etaion shrdlu de 1978 de Carl Schlesinger (opérateur Linotype) et David Loeb Weiss (correcteur) qui relate cette histoire est disponible ici.
On July 1st, 1978, at 9 PM, the era of mechanical lead typesetting, known as the Gutenberg era, came to an end in the composition workshops of the New York Times, along with all its advancements from Ludlow or Linotype typesetters. A new era of cold automated electronic photocomposition was emerging. A whole range of engineering and craftsmanship was becoming obsolete.
The operators, proofreaders, foundry workers, phototypers, and other typesetters who were losing a part of their lives, their work relationships, and likely their jobs in the long run, were sad and worried. “They call it progress, but it is not” one of them might say. Another wrote in white chalk on a green board, in expert typographic capitals, a kind of nostalgic poem: “The end of an era / It was good while it last / Crying won’t help.” Olivier Lebrun celebrates this difficult moment in the industrial history of graphic workers, which resonates today in a world where habitability is at risk, which is urgently awaiting its transition to a new era.
The film Farewell Etaion Shrdlu (1978) by Carl Schlesinger (a Linotype operator) and David Loeb Weiss (a proofreader), which recounts this story, is available here.
Conception graphique / Layout: Olivier Lebrun
140 x 18 cm
Tricot jacquard / Jacquard knit
100% fil acrylique doux / Soft acrylic yarn
Fabrication/ Fabrication : Hercules, Puteaux
Première édition / First issue: 50 exemplaires / copies
Octobre / October 2024
ISBN: 979-10-96155-55-2
EAN: 9791096155552
30 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Écharpe
The end of an era
Une édition comme une archéologie de notre iconographie, plus ou moins contemporaine, du pain.
Une encyclopédie lacunaire et subjective, qui rend compte de sa présence dans nos vies et de ses évolutions politiques, sociales, économiques, esthétiques.
An edition like an archaeology of our more or less contemporary iconography of bread.
A lacunary and subjective encyclopedia that reflects its presence in our lives and its political, social, economic, and aesthetic evolutions.
Notre pain quotidien est une collecte d’images prenant la forme de 156 planches iconographiques. Provenant de divers média et médium tels que les réseaux sociaux, des livres de cuisine, des manuels d’apprentissages, des archives audiovisuelles… ces images ont été imprimées à la même échelle, découpées et agencées manuellement sur l’espace circonscrit de feuilles A4.
Passant de l’émiettement à une globalité, ces planches regroupent sans hiérarchisation, mais par thématique, différents pans de la culture et de l’iconographie du pain. Au fil des pages se déploie une mémoire collective autour de cet aliment de base et générateur de commun - de sa fabrication à ses usages les plus dérivés.
Notre pain quotidien is a collection of images presented in the form of 156 iconographic spreads. Sourced from various media and mediums such as social networks, cookbooks, educational manuals, and audiovisual archives, these images have been printed to the same scale, cut out, and manually arranged on the confined space of A4 sheets.
Transitioning from crumbs to wholeness, these spreads group together different aspects of the culture and iconography of bread without hierarchization, but thematically. As the pages unfold, a collective memory emerges around this staple food which acts as a catalyst for community—covering its production to its most varied uses.
Langues / Language: Français / French
21 x 29,7 cm
178 pages
Papiers intérieurs / Inside papers: Munken Print White 90 g
Papier couverture / Cover paper: Environment Desert Storm 270 g
Reliure / Binding : Dos carré collé / Perfect Binding
Impression / Printing: Pologne
Couleurs / Colors: CMJN / CMYK Troisième édition / Third issues: 200 exemplaires / copies
Avec le soutien des / With the support of: Amis des Beaux-Arts de Paris.
Octobre / October 2024
ISBN: 979-10-96155-58-3
30 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Notre pain quotidien
Artistes typographes est un corpus visuel qui réunit cent trente-deux livres d’artistes collectés et reproduits dans le cadre d’une résidence artistique menée au sein du Centre des livres d’artistes (Saint-Yrieix-la-Perche). Les images présentées témoignent de l’intérêt de quelques figures du milieu de l’art pour les matières de l’objet livre. Elles orientent le regard sur des compositions singulières et autres détails typographiques : lettrages manuscrits, dessins de caractères, tampons, logotypes.
Artists as typographers is a visual corpus that brings together one hundred and thirty-two artists’ books collected and reproduced as part of an artistic residency conducted at the Centre des livres d’artistes (Saint-Yrieix-la-Perche). This compilation of images demonstrate the interest of some figures of the art field for the substances of the book object. They show singular compositions and other typographic details: handwritten letters, character designs, stamps, logotypes.
Langues / Language: Français / French
143 x 205 mm
272 pages
Jaquette / Extra cover: Sirio Foglia 80gr/m2, 70x100cm (Fedrigoni)
Couverture / Cover: Sirio Foglia 170 gr/m2, 70x100cm (Fedrigoni)
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print White 80 gr/m2 (Arctic Paper)
Reliure / Binding : Dos carré collé / Perfect Binding
Impression Riso / Riso printing: Ravisius Textor
Impression numérique / Digital printing: Saviard, Nevers
Couleurs / Colors: Noir / Black, Vert / Green
Première édition / First issue: 300 exemplaires / copies
Septembre / September 2024
ISBN: 9791096155293
25 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Artistes typographes Une sélection dans les collections du Centre des livres d’artistes Collection Ravisius Textor
Une vue d’ensemble de l’univers radical et picturalement engagé du peintre portugais José Loureiro.
Cet ouvrage est publié à l’occasion de l’exposition éponyme au Frac Grand Large, Dunkerque, en 2024. Imaginé par les graphistes In the Shade of a Tree, il est constitué de trois cahiers indépendants, et d’autant de trames narratives. La première est tissée de textes qui entrecroisent la fiction de José Loureiro et sa pensée du geste, avec l’écho poétique de Julie Gilbert. La seconde trame réunit l’ensemble des tableaux exposés en dialogue, tandis que la troisième propose une plongée singulière dans les détails prélevés au cœur des motifs et des couleurs. Déjouant la linéarité autant que la chronologie, ce livre est une échappée belle et une invitation à regarder la peinture sous toutes les coutures.
An overview of the radical universe and pictorially committed Portuguese painter José Loureiro’s work.
This edition is published on the occasion of the eponymous exhibition in 2024 in Frac Grand Large, Dunkirk. Imagined by graphic designers In the Shade of a Tree, it comprises three independent notebooks, each with its own storyline. First is made up of texts that interweave José Loureiro’s fiction and his thought on gesture, with Julie Gilbert’s poetic echo. Second frame brings together all the paintings on display and in dialogue, while the third offers a singular plunge into the details taken from the heart of the motifs and colors. Thwarting linearity as much as chronology, this book is a beautiful escape and an invitation to look at painting from every angle.
Direction éditoriale / Editorial direction: Keren Detton
Coordination éditoriale et relecture / Editorial coordination and proofreading: Thierry Chancogne, Élodie Staes
Textes / Texts: Keren Detton, Julie Gilbert, José Loureiro
Mise en livre / Graphic design: In the shade of a tree (Sophie Demay, Maël Fournier-Comte et Jimmy Cintero)
Caractères / Typefaces:Tiempos – Klim Type Foundry et Larish Neue – RP Type Foundry
Langues / Language: Français / French
3 cahiers indépendants dans un poster plié / 3 independent sections in a folded poster
Cahier 1 / Section 1: 32 p, reliure agrafe / 32 p, staple binding
Cahier 2 / Section 2: 36 p, encarté / 36 p, inserted
Cahier 3 / Section 3: 108 p, reliure agrafe / 108 p, staple binding
340 x 330 mm
Papiers intérieur / Inside papers: Arena Natural Rough 120g, Magno Matt 135g, Magno Gloss 135g
Dimensions du poster / Poster dimensions: 660x660mm
Papier Couverture / Cover paper : Magno Natural 190g
Impression / Printing : Offset / Graphius, Belgique
Première édition / First issue : 500 exemplaires / copies
Coédition Frac Grand Large et Tombolo Presses
Juin / June 2024
ISBN: 979-10-96155-28-6
EAN: 9791096155286
30 € + 5 € de frais de port / shipping costs
CROQUE-COULEUR José Loureiro
Une jeune miséreuse gasconne de Lourdes voit régulièrement apparaître « aquèra » [celle-ci]. L’apparition se dit « Immaculada Councepciou » [Immaculée Conception]. Dès lors d’étranges miracles semblent se réaliser. Les pèlerins, les curieux affluent en masse. La jeune Marie-Bernarde Soubirous, assaillie de toutes parts, se retire dans la vie religieuse et la bonne ville de Nevers. « Je suis venue ici pour me cacher » dira-t-elle le soir de sa prise d’habit.
Florian Pétigny interprète cette merveilleuse et triste histoire sainte en teintes oblitérantes, gothiques et toile d’araignées travaillées par les expériences psychédéliques du bon docteur Peter Nikolaus Witt.
In Lourdes, an impoverished young Gascon woman regularly sees "aquèra" [this one] appear. The apparition calls herself “Immaculada Councepciou” [Immaculate Conception]. From then on, strange miracles seemed to happen. Pilgrims and the curious flocked in droves. The young Marie-Bernarde Soubirous, besieged on all sides, withdrew to religious life and the good town of Nevers. “I came here to hide”, she said on the evening of her taking of the habit.
Florian Pétigny interprets this marvelous and sad holy story in obliterating, gothic hues and cobwebs worked by the psychedelic experiments of good doctor Peter Nikolaus Witt.
Conception graphique / Layout : Florian Pétigny
T-shirts Continental N03 Denim Blue
Sérigraphie flocage lie de vin / Silkscreen wine-red flocked: Atelier A+, Paris
Première édition / First issue : 20 M / 30 L / 10 XL
Avril / April 2024
35 € + 5 € de frais de port / shipping costs
T-shirt «Je suis venue ici pour me cacher»
La lettre est une adaptation livresque du film éponyme de Christophe Lemaitre : une hypothèse, celle du langage envisagé comme un parasite pour les corps qui lui donnent naissance. Au fil du récit, le contour des corps des deux protagonistes s’étirent et se diluent dans le reflet d’un dispositif technique filmé, pour ne former qu’un seul personnage à l’identité double.
A letter is an adaptation of the eponymous Christophe Lemaitre’s film: a hypothesis, that of language considered as a parasite for the bodies which give birth to it. Over the course of the story, the bodies of the two protagonists stretches and dilutes in the reflection of a filmed technical device, to form only one character with a dual identity.
Éditeurs / Editor: Christophe Lemaitre
Textes / Texts: Christophe Lemaitre
Mise en livre / designed by: Lucas Lejeune
Caractères / Typefaces: Times New Roman
Langues / Language: Français-anglais / French-english
21 x 30 cm
40 pages
Couverture / Cover: Condat digital couché brillant 300g/m2 + glossy coated + Poster fluo vert A1 80g/m2 plié / Fluo green 59,4 x 84,1 cm folded
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print Cream 80 g/m2
Impression riso / Riso Printing: Ravisius Textor
Impression numérique / Digital printing: Online printers
Couleurs / Colors: Noir / Black
Reliure / Binding: Piqûre à cheval / Saddle stitching / Imprimerie Saviard
Façonnage / Finishing : Florence Aknin, Marie Gateau, Lucas Lejeune, Rose-Anna Thierry (Ravisius Textor)
Première édition / First issue : 250 exemplaires / copies
Coédition Tombolo Presses – Promesse
Avril / April 2024
ISBN: 979-2-9593131-0-3
EAN: 9792959313103
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Retranscrire un cycle de conférences, entretiens, workshops et groupes de discussion féministes intersectionnels dans une école d’art s’avère crucial pour partager des outils d’émancipation et bousculer les critères implicites qui structurent nos regards et nos pratiques (identification aux normes visuelles occidentales, représentations romantico-capitalistes de l’artiste-auteur*rice…). Il nous apparait primordial de donner la parole aux artistes et à celleux qui les soutiennent sur leurs manières d'appréhender les relations de pouvoir voire de les déjouer.
Cet ouvrage a pour premier objet de partager les contenus accueillis et produits à l’École Supérieure d’Art de Clermont Métropole entre 2017 et 2022. Il est aussi l’occasion de travailler avec un groupe d’étudiant*es, d’artistes et de chercheureuses, pour penser la manière d'élaborer collectivement des invitations mais aussi l'élaboration de l'ouvrage ; il est un outil pour un travail pédagogique collectif et idéalement horizontal au cœur d’une institution hiérarchisée et hiérarchisante. Les invitations, la transcription et l’édition des textes se sont faits en commun.
For feminist art schools !
Bringing a series of intersectional feminist lectures, interviews, workshops and discussion groups back to an art school is crucial to sharing tools for emancipation and challenging the implicit criteria that structure our views and practices (identification with Western visual norms, romantic-capitalist representations of the artist-author, etc.). We believe it is vital to give a voice to artists and those who support them in the ways in which they deal with, and even elude, relations of power.
The primary aim of this book is to share the content hosted and produced at the École Supérieure d'Art de Clermont Métropole between 2017 and 2022. It is also an opportunity to work with a group of students, artists and researchers, to think about how invitations and the production of the book can be drawn up collectively; it is a tool for collective and ideally horizontal pedagogical work within a hierarchical and hierarchizing institution. The invitations, transcription and editing of the texts were done jointly.
Conception éditoriale / Editorial design: Lilith Bodineau, Adèle Bornais, Nelly Catheland, Charlotte Durand, Martha Fely, Lola Fontanié, Eulalie Gornes, Chloé Grard, Sophie Lapalu, Eden Lebegue, Michèle Martel, Sarah Netter, Clémentine Palluy, Mauve Perolari, Simon Pastoors, Rune Segaut, Danaé Seigneur
Textes / Texts: Nino André & Vinciane Mandrin, Rachele Borghi, Tadeo Cervantes, Adiaratou Diarrassouba, Kaoutar Harchi, T*Félixe Kazi-Tani, Nassira Hedjerassi, Gærald Kurdian, H.Alix Sanyas, Sophie Orlando, Émilie Renard, Liv Schulman, Danaé Seigneur, Pau Simon
Conception graphique / Layout: Morgane Masse
Co-édition / Co-publishing: Ésacm / Tombolo Presses
Langues / Language: Français / French
16 x 22 cm
116 pages
Couverture / Cover: Constellation Snow Martellata 280 g/m2 (Fedrigoni) + marquage à chaud + tampons / + hot marking + stamping
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print Cream 80 g/m2 (Arctic Paper)
Reliure / Binding: Dos carré collé / Perfect binding
Impression offset / offset printing: Imprimerie Média Graphic, Rennes
Couleurs / Colors: Violet PANTONE 2617 U / Purple PANTONE 2617 U
Première édition / First issue : 700 exemplaires / copies
Couvertures tamponnées manuellement en multiples couleurs / Hand-stamped covers in multiple colors
Janvier / January 2024
ISBN: 979-10-96155-27-9
EAN: 9791096155279
20 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Pour des écoles d’art féministes !
Avec deux appareils argentiques jetables achetés sur place, Aurélien Mole a pris trente minutes pour réaliser la documentation photographique d’un laboratoire photographique de quartier, vestige d’une époque en voie de disparition : celle de l’industrialisation et de la vulgarisation de la photographie argentique. Il n’aura pas fallu plus de temps pour que les deux films négatifs couleur de ce reportage photographique y soient développés et tirés et que ce petit texte de présentation soit rédigé. Un peu plus, par contre, pour que leur mise en page fantomatique soit dessinée par Syndicat.
With two disposable analogue cameras purchased on site, Aurélien Mole spent thirty minutes documenting a local photography lab, a relic
of a bygone era: that of the industrialisation and popularisation of analogue photography. It took no longer than that to develop and print the two-colour negative films for this photo report, and to craft this brief introductory text—a little more time was required, though, for Syndicat to design its ghostly layout.
Langues / Language: Français / French
17 x 10,2 cm
116 pages
Couverture / Cover: 4 pages + dorure à chaud / 4 pages + hot foil
Reliure / Binding: Dos carré cousu collé / Section sewn
Impression offset / offset printing: Imprimerie SYL Couleurs / Colors: CMJN + vernis sélectif / CMYK + silkscreen varnish
Première édition / First issue : 500 exemplaires / copies
Novembre / November 2023
ISBN: 979-10-95991-22-9
EAN: 9791095991229
35 € + 5 € de frais de port / shipping costs
30 mn
Une publication de l’artiste et enseignante-chercheuse Marie Preston sur les pédagogies alternatives développées en France durant les années 1970-1990 dans des écoles « ouvertes » travaillant la question des rapports entre co-création et coéducation.
Les équipes pédagogiques dont il est question dans ce livre étaient persuadées qu’il fallait transformer radicalement le système scolaire pour contrevenir à la reproduction sociale et il·elle·s l’ont fait ! Véritable terreau d’inventions éducatives, relationnelles, institutionnelles, ces expériences ont beaucoup à nous apprendre aujourd’hui. Notamment au regard des pratiques artistiques coopératives et de co-création qui partagent avec elles un désir et des manières de faire, comme celui de la transformation sociale, la co-gestion, l’émergence de commun et la création collective.
Le livre se construit dans un va-et-vient entre des témoignages et entretiens menés auprès des acteurs et actrices de cette histoire et des éléments de contextualisation et d’analyse ouvrant sur les pratiques artistiques de co-création. Figurent dans l’ouvrage un entretien avec Jean Foucambert, une discussion avec Rolande et Raymond Millot (école Vitruve, Paris et à la Villeneuve de Grenoble) et un texte inédit d’André Virengue, directeur pendant 20 ans de l’école Jacques-Prévert à Villeneuve d’Ascq. Une place importante est donnée à l’iconographie, partie prenante de la recherche. Elle permet notamment de découvrir des réalisations d’élèves ainsi que l’édition de journaux scolaires ou autres imprimés.
A publication by artist and teacher-researcher Marie Preston on the alternative pedagogies developed in France during the 1970s-1990s in “open” schools working on the question of the relationship between co-creation and co-education.
The teaching teams at the heart of this book were convinced that, in order to break social reproduction, the school system was in dire need of transformation and they did it! The experiences discussed in this book constitute a truly fertile ground in terms of educational, relational and institutional inventions, and we have much to learn from them today. This is particularly true of cooperative and co-creative artistic practices which convey a true desire for and ways to implement social transformation, joint management, the emergence of collective creation and commons. The work is built up around a back and forth between interviews and accounts from the participants of this story and contextual and analytical elements opening on co-creative artistic practices. This book gathers an interview with Jean Foucambert, a discussion with Rolande and Raymond Millot (École Vitruve, Paris and La Villeneuve neighbourhood, Grenoble) and an unpublished text by André Virengue who was the headteacher of the Jacques-Prévert school in Villeneuve d’Ascq for over 20 years. A significant part of this work is dedicated to iconography, a crucial component of research as it enables the discovery of students’ realisations as well as the publishing of school newspapers and other print works.
Conception éditoriale / Editorial design: Marie Preston, Céline Poulin
Textes / Texts: François Deck, Jean Foucambert, Raymond Millot, Rolande Millot, Céline Poulin, Marie Preston, André Virengue
Conception graphique / Layout: Charles Mazé & Coline Sunier
Co-édition / Co-publishing: CAC Brétigny / Tombolo Presses
Langues / Language: Français / French
13,5 x 20,5 cm
272 pages
Couverture / Cover: Munken print white 300 g
Pages intérieures / Inside pages: Bengali corail et Bengali citron 80 g, Munken print white 115 g
Reliure / Binding: Dos carré collé / Perfect binding
Risographie / Risograph printing: Ravisius Textor (Nevers), Toner Toner (Vaulx-en-Velin) Couleurs / Colors: Medium blue, Green, Brown, Bright red, Orange, Purple, Teal, Black, Blue
Impression numérique / Digital printing: Imprimerie Saviard
Couleurs / Colors: Noir / Black
Première édition / First issue : 500 exemplaires / copies
6 couvertures différentes distribuées aléatoirement / 6 different covers randomly distributed
Juillet / July 2021
ISBN: 979-10-96155-19-4
EAN: 9791096155194
20 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Langues / Language: Français / French
20,5 x 13,5 cm
304 pages
Couverture / Cover: Invercote G 240g
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print White 90g, Bengali Corail 80gg
Reliure / Binding: Dos carré cousu collé / Perfect sewn binding
Impression offset / offset printing: Imprimerie CCI Couleurs / Colors: Noir + 6 couleurs Pantone / Black + 6 Pantone
Deuxième édition augmentée / Augmented second issue : 1100 exemplaires / copies
6 couvertures différentes distribuées aléatoirement / 6 different covers randomly distributed
Publié avec le CAC Brétigny, en partenariat avec le Centre d'art contemporain de la Ferme du Buisson, Le Grand Café, Saint-Nazaire et avec le soutien de l'Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis et l'École universitaire de recherche ArTeC.
Juillet / July 2023
ISBN: 979-10-96155-26-2
EAN: 9791096155262
25 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Inventer l’école, penser la co-création
«Le culte des eaux est une des formes primitives du naturalisme [...] Il y formait [en Gaule] le fond de la religion populaire à l’arrivée des Romains. Pendant que les druides, traqués par les empereurs, disparaissaient lentement des contrées celtiques, le culte des génies des eaux, sans danger pour la politique, fut légalement introduit dans le polythéisme romain, qui les admit, avec ses propres dieux, au titre d’Augustes. [...] Cette religion vivace n’était au fond que la divinisation de la nature personnifiée.»
Jacques-Gabriel Bulliot, Le Culte des eaux sur les plateaux Éduens, Imprimerie impériale, Paris, 1868
“The cult of water is one of the primitive forms of naturalism [...] It formed the basis of popular religion in Gaul when the Romans arrived. While the Druids, hunted down by the emperors, were slowly disappearing from the Celtic lands, the cult of the water spirits, without danger for politics, was legally introduced into Roman polytheism, which admitted them, along with its own gods, to the title of Augustans. [...] This perennial religion was basically only the divinization of nature personified.”
Conception graphique / Layout: Célestin Krier
160 x 17 cm
Tricot jacquard / Jacquard knit
100% fil acrylique doux / Soft acrylic yarn
Deuxième édition / Second issue: 60 exemplaires / copies
Février / February 2023
20 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Première édition / First issue: 30 exemplaires / copies
Octobre / October 2022
20 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Une écharpe pour l’hiver. Une écharpe pour Nevers.
Sous le beau nom que le texte ravit, Bernadette, les capitales elzévirs de sa châsse qui filent l’eau de Loire. Et puis le Vert-Vert, perroquet rhétorique, qui réplique et répète, ici la bienséance conventuelle, là le scandale marinier.
A scarf for winter, a scarf for Nevers.
Behind the beautiful name ravished by the text, Bernadette, the old-style capital letters of her reliquary flowing along the Loire's waters. And Vert-Vert, the rhetorical parrot that replicates and repeats — conventual decorum here, marine scandal there.
Conception graphique / Layout: Emma Joly et Sarah-Camille Malandain
Caractères / Typefaces: JonquinABC (Sarah Kremer en collaboration avec officeabc, 2012-2018)
160 x 17 cm
Tricot jacquard / Jacquard knit
100% fil acrylique doux / Soft acrylic yarn
La publication The Artificial Kid accompagne le cycle d’expositions et d’événements éponyme proposé par Elsa Vettier, commissaire en résidence à la Maison Populaire en 2022. À travers une sélection d’images, d’archives, de textes et un ensemble d’entretiens réalisés avec les artistes invité·e·s tout au long de l’année, l’ouvrage entend déplier les questions de visibilité, d’artificialité, de contrôle, de surveillance, de séduction et de disparition mises en jeu au fil du programme. Découpé en plusieurs parties, il revient de manière chronologique sur les différents volets du cycle: les expositions Aquarium (avec Chloé Delarue, Guillaume Dénervaud, Natacha Donzé, Lamya Moussa, Harilay Rabenjamina et Julia Scher) Wonderland de Julia Scher et XD de Julie Sas ; la programmation publique (dont le festival antenne pop) ainsi que la résidence de création de Harilay Rabenjamina, artiste invité.
La conception de l’ouvrage est confiée à Julie Héneault qui a dessiné l’identité visuelle de l’ensemble du cycle. Elle reprend ainsi certains éléments graphiques et typographiques créés spécifiquement à cette occasion.
The publication The Artificial Kid accompanies the eponymous cycle of exhibitions and events proposed by Elsa Vettier, curator in residence at the Maison Populaire in 2022. Through a selection of images, archives, texts and a set of interviews with the artists invited throughout the year, the book intends to unfold the questions of visibility, artificiality, control, surveillance, seduction and disappearance brought into play throughout the programme. Divided into several parts, it looks back chronologically at the different parts of the cycle: the exhibitions Aquarium (with Chloé Delarue, Guillaume Dénervaud, Natacha Donzé, Lamya Moussa, Harilay Rabenjamina and Julia Scher), Wonderland by Julia Scher and XD by Julie Sas; the public programme (including the antenne pop festival) as well as the residency of Harilay Rabenjamina, guest artist.
The design of the book is entrusted to Julie Héneault, who has designed the visual identity of the entire cycle. She used certain graphic and typographic elements created specifically for this occasion.
Avec / With: Ethan Assouline, Mia Brion, Chloé Delarue, Chloé Delchini, Guillaume Dénervaud, Natacha Donzé, Elise Legal, Rafael Moreno, Lamya Moussa, Rosanna Puyol, Harilay Rabenjamina, Julie Sas, Julia Scher, Maxime Selin
Direction éditoriale / Editorial direction: Elsa Vettier
Conception graphique / Layout: Julie Héneault
Caractères / Typefaces: Times New Roman, Arti police libre de droit dessinée par Maxime Selin, Velvetyne
Relecture / Proofreading: Thierry Chancogne, Adelaïde Couillard, Elsa Vettier
Co-édition / Co-publishing: La Maison Populaire / Tombolo Presses
Langues / Language: Français / French
15 x 21 cm
192 pages
Couverture / Cover: Fedrigoni Constellation Jade Spillo
Pages intérieures / Inside pages: Lessebo Kaskad Swallow Blue
Impression / printing: Printon, Estonie / Estonia
Première édition / First issue: 300 exemplaires / copies
Couleurs : Noir / Black
Décembre / December 2022
ISBN : 979-10-92162-03-5
EAN : 9791092162035
12 € + 5 € de frais de port / shipping costs
The Artificial Kid
Sous un titre en forme d’inventaire qui pourrait énumérer autant de sujets photographiques, cet ouvrage documente de manière exhaustive le travail de Pierre-Olivier Arnaud depuis le début des années 2000. Alors que le régime des images et leur mode d’apparition sont des préoccupations centrales pour l’artiste, le livre, conçu par Maximage, en rassemble différents types et met en perspective, par le traitement de la page et la matérialité du livre, l’expérience de lecture de ces documents : vues d’expositions d’une part, et de l’autre, l’exposé d’œuvres, par nature reproductibles, se déployant dans le format du livre. Deux textes d’Anne Giffon-Selle et de François Aubart offrent un appareil critique conséquent et une approche sensible de cette œuvre n’ayant de cesse de sonder les désirs qui configurent notre rapport aux images. François Aubart analyse ce double mouvement caractéristique qui consiste à « désaffecter » et « dégrader » (au sens multiple) l’image photographique pour la re-présenter comme un possible objet de désir ou de curiosité et dont l’articulation se trouve dans la « mise en circulation ». Dans son entretien avec l’artiste, Anne Giffon-Selle l’interroge sur son rapport à la modernité et au monde contemporain ainsi que sur les enjeux politiques et philosophiques de sa démarche traversée par la pensée de Walter Benjamin ou de Vilém Flusser.
Under a title in the form of an inventory that could list as many
photographic subjects, this book exhaustively documents Pierre-Olivier
Arnaud’s work since the early 2000s. While the regime of images and
their occurrences are central preoccupations to the artist, the book
conceived by Maximage gathers different types and puts them into
perspective, through the page treatment and the the materiality of the
book, the reading experience of these documents : views of exhibitions
on the one hand, and on the other, the presentation of works, by
nature reproductible, unfolding in the book’s format.
Two texts by Anne Giffon-Selle and François Aubart offer a substantial
critical apparatus and a sensitive approach to this work that never
ceases to probe the desires that shape our relationship to images.
François Aubart analyses this characteristic double movement which
consists in "disaffecting" and "degrading" (in the multiple sense) the
photographic image in order to re-present it as a possible object of
desire or curiosity, and whose articulation is found in "putting into
circulation". In her interview with the artist, Anne Giffon-Selle asks
him about his relationship with modernity and the contemporary world,
as well as the political and philosophical issues at stake in his
approach, which is influenced by the thinking of Walter Benjamin and
Vilém Flusser.
Langues / Language: Français-anglais / French-english
21,6 x 27,9 cm
182 pages
Couverture / Cover: The Waste Paper Project (wpproject.org)
Pages intérieures / Inside pages: The Waste Paper Project (wpproject.org)
Impression / printing: Musumeci, Italie/ Italy
Première édition / First issue: 700 exemplaires / copies
Couleurs : Noir + 4 pages couleur / Black + 4 color-pages
Septembre / September 2022
ISBN : 979-10-96155-23-1
EAN : 9791096155248
25 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Pierre-Olivier Arnaud Monographie
En octobre 2020, la galerie-librairie-atelier à vocation pédagogique Ravisius Textor s’apprête à accueillir la Serving Library Collection. Une collection d’originaux relatifs de l’« image à l’ère de sa reproductibilité technique » parus dans la revue Dot Dot Dot et sa suite à l’ère numérique The Bulletins of The Serving Library. Une collection éclectique réunie au fil du temps presque par hasard et non sans quelque désinvolture, mais avec l’exigence d’un projet capable de fédérer les recherches de praticien(ne)s du graphisme et de la typographie, d’universitaires, d’auteur(e)s, de critiques internationaux(ales) parmi les plus rafraichissant(e)s et novateurs(trices) de notre temps.
L’installation de la collection doit s’accompagner d’une activation pédagogique avec la rencontre de ses éditeurs récents, Stuart et Francesca Bertolotti-Bailey, Vincenzo Latronico avec les Dna Design Graphique de l’Ensba Lyon accompagnés par Alexandru Balgiu.
Mais ce que l’on appelle désormais la première vague de Covid 19 déferle dès septembre sur l’Europe avec les conséquences que l’on sait. Fermetures des frontières, confinements, couvre-feux. En novembre cette installation est remise à une date inconnue. Dès lors tout est fait pour que le séminaire se réalise via les réseaux. Des visioconférences régulières sont mises en place par Alex Balgiu entre Stuart Bertolotti-Bailey et les étudiants lyonnais. La progression des productions estudiantines est relayée régulièrement sur le compte Instagram de Ravisius Textor.
Ce livre est en quelque sorte la somme, le relais et la mémoire du travail de lecture des Bulletins de la Serving Library réalisé alors par les étudiants de Dna dans ce lieu pédagogique curieux qui est expérimenté alors : L’écran, le téléphone, la visioconférence, les réseaux sociaux. Une distance et une intensité, une liberté, une solidarité, une urgence, toutes particulières.
In October 2020, the pedagogy-oriented gallery-bookshop-workshop Ravisius Textor is ready to welcome the Serving Library Collection in his walls. A collection of originals related to the « image in the age of mechanical reproduction » published in the periodic Dot Dot Dot and its sequel in the digital age The Bulletins of The Serving Library. An eclectic collection gathered over the course of time almost by chance and not without some casualness, but with the requirements of a projet capable of federating the research of graphic or type designers, academics, authors, international critics among the most refreshing and innovative of our time.
The installation of the collection must come with a pedagogical activation, with the meeting between the periodical’s most recent editors, Stuart et Francesca Bertolotti-Bailey, Vincenzo Latronico, and the graphic design’s bachelor students of Ensba Lyon, accompanied by Alexandru Balgiu.
But what we now call Covid 19’s first wave swept across Europe in September with all the consequences we know. Borders closures, confinements, curfews. In November this installation is postponed to an unknown date. From then on, everything is tried so this seminar is held via the networks. Regular videoconferences are set up by Alex Balgiu between Stuart Bertolotti-Bailey and the students from Lyon. The progress of the student’s work is regularly relayed on Ravisius Textor’s Instagram account.
This book is in a way the sum, the relay and the memory of the students’ reading work of the Bulletins of the Serving Library, made in this curious pedagogical place which is experimented then: the screen, the phone, the videoconferences and the social networks. A distance and an intensity, a freedom, a solidarity, an urgency, all particular.
Éditeurs / Editor: Alexandru Balgiu et les Dna Design Graphique de l’Ensba Lyon 2020/21
Textes / Texts,Conception graphique / Layout: Victoire Bondoux, Pauline Bourdet, Valérian Charmasson, Marie-Lou Debize, Martin Dolce, Étienne Duval, Louis Hoch, Ewen Guehenneux, Oriane Lambert, Églantine Marcel, Mélanie Piat, Juliette Oudot, Mathilde Robert
Caractères / Typefaces: Volkorn dessinée par / designed by Friedrich Althausen, Helvetica LT Std dessinée par / designed by Linotype et / and Source Code Pro dessinée par / designed by Paul D. Hunt
Relecture / Proofreading: Juliette Tixier (Français-french), Katie Dallinger (Anglais-english)
Langues / Language: Français-anglais / French-english
21 x 29,7 cm
304 pages + jaquette / cover
Jaquette / Cover: Schabert F-Color Karton Kreativ 280 gr
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print White 1,5 80 gr
Reliure / Binding: Dos carré collé / Perfect binding
Impression / printing: PBtisk République Tchèque / Czech Republic
Première édition / First issue : 350 exemplaires / copies
Couleurs : Noir / black
May / May 2022
ISBN : 979-10-96155-24-8
EAN : 9791096155248
20 € + 5 € de frais de port / shipping costs
The Essayer
Dans le courant des années 2010, un certain nombre de femmes, souvent américaines, issues des classes privilégiées et blanches, abandonnent leur carrière professionnelle pour un retour à la vie domestique, considérée comme plus écologiquement responsable. Loin du cliché de la mère au foyer américaine tant décrié par la littérature féministe, ces femmes se décrivent comme des « homemakers », des « faiseuses de foyer » radicales. Entrecoupé d’images et de commentaires issus de comptes Instagram et de blogs, le texte de Camille Azaïs interroge les raisons qui motivent ce choix : engagement écologique, soustraction à des formes capitalistes de domination salariée ou nostalgie d’un « ordre ancien », où les femmes étaient à la maison ? Écrit pour l’exposition « Career Girls » organisée par Margaux Bonopera et Elsa Vettier du 17 mars au 18 juin 2022 à Mécènes du Sud Montpellier-Sète, Homemakers est mis en livre par Morgane Masse et publié par Tombolo Presses. Il a été imprimé en risographie 5 couleurs et façonné à la main dans les ateliers collectifs de toner toner et Sans Contrefaçons, à Grrrnd Zero, Vaulx-en-Velin, en avril 2022.
Camille Azaïs est une critique d’art et auteure née en 1984. Elle publie des textes sur l’art dans des catalogues et des revues spécialisées, ainsi que des textes de fiction. Ses textes constituent autant des réflexions sur l’art qu’une tentative de décryptage de phénomènes culturels contemporains à travers les multiples voix qui s’expriment sur les réseaux sociaux. Elle est l’auteure en 2019 du feuilleton Michael Jackson : The Man in the Mirror pour France Culture, écrit à partir des innombrables rumeurs entourant l’icône de la pop. En 2020, elle est lauréate des Encouragements de la commission pour l’Aide à la Création d’ArtCena, pour son texte Minimal, premier texte dramatique centré sur la figure de la fondatrice d’un mouvement écologique radical. Elle mène également une recherche de long cours, soutenue en 2020 par l'INHA et l’Institut Français, sur l’art contemporain en contexte rural. Homemakers est son premier texte de fiction publié.
In the midst of the 2010s, a certain number of women, often American, from privileged classes and white, are abandoning their professional careers for a return to domestic life, considered more environmentally responsible. Far from the stereotype of the American stay-at-home mom so decried by feminist literature, these women describe themselves as ‘homemakers’, radical ‘home makers’. Intertwined with images and comments from Instagram accounts and blogs, Camille Azaïs’ text questions the reasons behind this choice: ecological commitment, subtraction from capitalistic forms of wage domination, or nostalgia for an ‘old order’ where women were at home? Written for the exhibition “Career Girls” organized by Margaux Bonopera and Elsa Vettier from March 17 to June 18, 2022 at Mécènes du Sud Montpellier-Sète, Homemakers is designed by Morgane Masse and published by Tombolo Presses.
Camille Azaïs is an art critic and writer born in 1984. She publishes texts on art in catalogues and specialized magazines, along with fictions. Her texts are as much reflections on art as an attempt to decipher contemporary cultural phenomena through the multiple voices expressed on social networks. In 2019, she is the author of the series Michael Jackson: The Man in the Mirror for France Culture, written based on the countless rumours surrounding the pop icon. In 2020 she is the winner of the ‘Encouragements de la commission pour l’Aide à la Création’ of ArtCena, for her text Minimal, her first dramatic text centred on the figure of the founder of a radical ecological movement. She is also conducting a long-term research project, supported in 2020 by the INHA and the French Institute, on contemporary art in rural contexts. Homemakers is her first published fiction text.
Éditeurs / Editor: Camille Azaïs
Textes / Texts: Camille Azaïs
Conception graphique / Layout: Morgane Masse
Caractères / Typefaces: FT88 School par Oriane Charvieux et Mandy Elbé, d’après le travail de la dessinatrice de caractères Ange Degheest, distribuée par Velvetyne + Arnhem Pro et Neue Haas Grotesk Text Pro.
Relecture / Proofreading: Thierry Chancogne
Langues / Language: Français / French
12 x 20 cm
56 pages + jaquette / cover
Jaquette / Cover: papier Colorplan Sorbet Yellow 135 gr
Pages intérieures / Inside pages: papier Munken Print White 80 gr
Reliure / Binding: Piqûre à cheval / Saddle stitching
Impression / printing: Toner Toner
Première édition / First issue : 300 exemplaires / copies
Couleurs : risographie 5 couleurs / colors
Avril / April 2022
ISBN : 979-10-9655-25-5
10 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Homemakers
Une écharpe pour l’hiver. Une écharpe pour Nevers.
Sous le beau nom que le texte ravit, Bernadette, les capitales elzéviris de sa châsse qui filent l’eau de Loire. Et puis le Vert-Vert, perroquet rhétorique, qui réplique et répète, ici la bienséance conventuelle, là le scandale marinier.
A scarf for winter, a scarf for Nevers.
Behind the beautiful name ravished by the text, Bernadette, the old-style capital letters of her reliquary flowing along the Loire's waters. And Vert-Vert, the rhetorical parrot that replicates and repeats — conventual decorum here, marine scandal there.
Conception graphique / Layout: Emma Joly et Sarah-Camille Malandain
Caractères / Typefaces: JonquinABC (Sarah Kremer en collaboration avec officeabc, 2012-2018)
160 x 17 cm
Tricot jacquard / Jacquard knit
100% fil acrylique doux / Soft acrylic yarn
Première édition (vert) / First issue (green): 30 exemplaires / copies
Novembre / November 2019
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Deuxième édition (bleu) / Second issue (blue): 30 exemplaires / copies
Décembre / December 2020
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Troisième édition (turquoise) / First issue (blue-green): 30 exemplaires / copies
Décembre / December 2021
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Quatrième édition (noire) / Second issue (black): 45 exemplaires / copies
Décembre / December 2021
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
La photographie comme le cinématographe sont des techniques d’expression de la révolution industrielle dans lesquelles le spectateur ne considère jamais l’original, le négatif, la matrice, mais toujours des copies, des tirages, des doubles. Un être, un acte, un objet, un lieu tente d’expliquer aux enfants comme aux curieux, les uns n’étant pas exclusifs des autres, le pourquoi des dimensions d’une image photographique, d'un tirage. Le livre est illustré d’œuvres de la collection des FRAC de la région Nouvelle-Aquitaine mises en pages dans leurs rapports d’échelle respectifs.
Photography and cinematography are methods of expression inherited from the Industrial Revolution which never entail the audience’s consideration of the original, but rather draw its attention solely to copies, print-outs and duplicates. Un être, un acte, un objet, un lieu (A Being, An Act, An Object, A Location) attempts to explain the how and why of the scale and dimensions of a photograph or a print-out to children and curious ones alike. This publication is illustrated by works from the FRAC collections (Nouvelle-Aquitaine), organized together across the pages in relation to their true comparative sizes in real life.
Coordination éditoriale / Editorial coordination: Christophe Lemaitre
Relecture / Proofreading: Juliette Tixier & Thierry Chancogne
Langues / Language: Français / French
16,2 x 19,6 cm
88 pages + couverture / cover
Couverture / Cover: carton gris 2 mm (Arena Natural bulk 140g) / grey board 2 mm (Arena Natural bulk 140g)
Pages intérieures / Inside pages: Arena Natural bulk 100g
Reliure / Binding: Reliure bodonienne cousu avec dos brillianta Wicotex / Bodonian binding sewn with a Wicotex brillianta
Impression / printing: Graphius
Première édition / First issue : 350 exemplaires / copies
Couleurs : CMJN / CMYK
Avec le soutien du / With the support of: Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA
Décembre / December 2021
ISBN: 979-10-96155-22-4
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Un être, un acte, un lieu, un objet
De Pline, Butadès et la compétition de Zeuxis et Parrhasios à Ovide, Pygmalion et l’amour miroitant d’Écho et Narcisse, l’antiquité aura été pleine de ces récits, de ces paraboles, de ces métaphores, de ces allégories qui ont façonné le regard, qui ont configuré l’appréhension de l’image, qui ont construit les normes de la représentation, qui ont dit les manières du voir.
Mais, dès lors, où chercher une nouvelle antiquité pour cette façon peut-être neuve du design, du graphisme ou de la typographie ?
L’objet de cet essai aura été de rechercher les textes fondateurs du graphisme du côté des dessinateurs de caractères new traditionalists de la Monotype Corporation en général et de la figure de Beatrice Warde en particulier. Avec l’étude du conte philosophique du Crystal Goblet écrit par cette femme forte et unusual qui deviendra la « first lady » et reine de la typographie « moderne », Thierry Chancogne s’intéressera ici à certaines vocations du design graphique pour une éthique de la fonction et de la pleine transitivité : à un grand récit de la typographie transparente.
From Pliny, Butades and Zeuxis and Parrhasius’s competition, to Ovid, Pygmalion and the mirroring love of Echo and Narcissus, the antiquity has been full of stories, parables, metaphors and allegories which have shaped the human gaze and the way we apprehend images by creating norms in representation and ways of seeing.
Consequently, a question arises: where to look for a new antiquity fit for this perhaps new manner of design, typography or graphic design?
The purpose of this essay has been to research the founding texts of graphic design focusing on the new traditionalists type designers of the Monotype Corporation in general and on Beatrice Warde in particular. The strong and unusual Beatrice Ward became the First Lady and queen of “modern” typography. It is through the study of her Crystal Goblet, a philosophical tale, that Thierry Chancogne takes an interest in how graphic design can call for ethics of function and full transitivity: a tale for transparent typography.
Textes / Texts: Thierry Chancogne
Conception graphique / Layout: Spassky Fischer avec Thomas Spieler (Modélisation 3D)
Caractères / Typefaces: Trainer Grotesk (Antoine Elsensohn)
Langues / Language: Français / French
23 x 31 cm
152 pages + couverture / cover
Couverture / Cover: Wibalin Buckram Ruby 115g (gardes Wibalin Natural Lilac 120g)
Pages intérieures / Inside pages: Munken Polar 80g et Symbol Freelife 90g
Reliure / Binding: Hard cover Dos carré
Impression / printing: Musumeci
Première édition / First issue : 700 exemplaires / copies
Couleurs : Noir / Black
Septembre / September 2021
ISBN: 979-10-96155-21-7
25 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Le Gobelet de Cristal
Îlles tisse un récit mêlé de fiction et de données historiques autour de l’existence, à travers les âges, d’une garde-robe non genrée. Des processus d’hybridation donnent naissance à des figures à la fois naturelles, architecturales et humaines. L’environnement et les personnages sont aussi bien parasités qu’anthropophages. La pulsation du texte, les changements de statuts, les glissements narratifs sont incarnés par le travail typographique au genre fluctuant de Roxanne Maillet.
Ce livre a été édité dans le cadre de la résidence « Excellence des Métiers d’Art » menée en 2018 par Georgia René-Worms à l’École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne et publié à la suite de l’exposition « L’Âge de Nylon » présentée à Ravisius Textor du 13 octobre au 8 décembre 2018.
Îlles weaves a tale mixed with fiction and historical data about the existence, through the ages, of a gender-neutral wardrobe. Hybridization processes give birth to figures that are natural, architectural and human, all at once. The environment and the characters are both parasitized and anthropophagous. The rhythm of the text, the status twists, the narrative shifts are embodied by the gender fluid typographic work of Roxanne Maillet.
This book was conceived as part of the “Excellence des Métiers d'Art” residency conducted in 2018 by Georgia René-Worms at the École Supérieure d'Arts Appliqués de Bourgogne. It was published following the exhibition “L’Age of Nylon” presented at Ravisius Textor from October 13 to December 8, 2018
Langues / Language: Français / French
4 x 6 cm
100 pages + couverture / cover
Couverture / Cover: Dark Torraspapel Malmenayde 260 g
avec dorure à chaud holographique / Holographic hot foil stamping: Atelier Bulk
Pages intérieures / Inside pages: Munken print white 90 g
Reliure / Binding: Imprimerie Saviard
Impression numérique / Digital printing: Imprimerie Saviard
Première édition / First issue : 150 exemplaires / copies
Couleurs : Noir / Black
Avril / April 2021
ISBN: 979-10-96155-18-7
7 € + 5 € de frais de port / shipping costs
«Ce qui reste» en temps de pandémie mondiale prend un sens particulier. Quelque chose de dramatique qui se trame sur fond de faillite écologique que Johanna Tagada Hoffbeck persiste pourtant à traiter avec douceur et attention aux choses, aux êtres, au vivant. En collectant des présences, des mouvements, des traces. En construisant des images fragiles et des installations délicates comme autant de témoignages et de persistances du monde.
«Avec ce qui reste» est la publication réalisée par Johanna Tagada Hoffbeck, mise en page par Alyssia Lou, imprimée en risographie et reliée à la main par Florence Aknin, Pauline Simonet, des étudiants et des amis neversois, à l’occasion de l’exposition de même nom à Ravisius Textor du 16 janvier au 6 mars 2021.
“What is left” in times of a global pandemic takes on peculiar meaning. Something dramatic unfolds against a background of ecological bankruptcy that Johanna Tagada Hoffbeck nevertheless persists in dealing with by ways of gentleness and attention to things, to beings, to the livings in all their forms : by collecting presences, movements, traces ; by constructing fragile images and delicate installations as so many testimonies and persistences of the world.
“Avec ce qui reste”, French for “With what is left”, is the publication ideated by Johanna Tagada Hoffbeck, designed by Alyssia Lou, overviewed by Thierry Chancogne. It includes a text by Elein Fleiss. It was printed in an educational space employing the Risograph technique and was hand-bound by Florence Aknin, Pauline Simonet, students and friends from Nevers, on the occasion of the eponymous exhibition at Ravisius Textor, from January 16 to March 6, 2021.
Textes / Texts: Johanna Tagada Hoffbeck / Elein Fleiss
Conception graphique / Layout: Alyssia Lou
Caractères / Typefaces: Leonardo Fascia (Quentin Schmerber)
Langues / Language: Français et Anglais / French & English
21 x 14.8 cm
16 pages + couverture / cover
Couverture / Cover: Arjowiggins Keaykolour Matcha Tea 300 g
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print Cream 115 g
Relié à la main / Handbound: Ravisius Textor
Première édition / First issue: 300 exemplaires / copies
Couleurs : bichromie Green / Brown
Février / February 2021
ISBN: 979-10-96155-20-0
10 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Avec ce qui reste
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Charles Loupot fut un des grands affichistes français de la première moitié du 20e siècle. Il inventa en quelque sorte l’identité visuelle avec son travail fameux pour le quinquina St Raphaël. Il habita la Nièvre qu’il appelait affectivement sa «rhubarbe». Il conçut en 1955 pour la «route buissonnière» entre autres nivernaise qui relie Paris à Lyon un merveilleux lapin néo-cubiste auquel nous rendons hommage par une série de sacs aux couleurs premières et signalétiques.
Charles Loupot was one of the great French poster artists of the first half of the 20th century. In a way he invented the visual identity with his famous work for the quinquina St Raphaël. He lived in Nièvre, which he affectionately called his “rhubarb”. In 1955, he designed a wonderful neo-cubist rabbit for the “buissonnière roads” among other Nivernais that links Paris to Lyon, to which we pay homage with a series of tote bags in primary and signage colors.
Conception graphique / Layout: Charles Loupot, Emma Joly et Sarah-Camille Malandain
Fabrication: Awesome Merch, Leeds (Royaume-Uni)
Septembre / September 2020
10 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Bright orange sur jaune /yellow
Bright orange sur bleu /blue
Bright orange sur crème /cream
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Sac Loupot
Loin Hop est la seconde monographie conséquente de Patrice Carré. Le livre, réalisé par Thibaut Robin, s’organise comme un paysage ludique, sonore et savoureux à parcourir dans n’importe quel sens. Le climat coloré y varie d’une région à l’autre. Son format correspond aux albums de bandes dessinées d’aventure d’Hergé.
Au travers de 120 reproductions de sculptures, d’installations, d’objets, de situations, de photomontages, de photographies de Patrice Carré, de trois textes de Catherine Elkar, de Lise Guéhenneux, d’Emmanuel Latreille, de deux reproductions de peintures fétiches qui ont quatre cent six ans d’écart, d’un long entretien avec Alexandre Castant, de quarante six notices iconographiques très graphiques, on peut y découvrir le travail de l’artiste depuis la fin des années 1980.
Loin Hop is Patrice Carré's second substantial monograph. Designed by Thibaut Robin, the book is organized as a playful, sonorous and refined landscape to be browed in any direction. Its colorful climate varies from one place to the next and its format matches Hergé's adventure comic albums.
Through a hundred and twenty reproductions of Patrice Carré’s sculptures, installations, objects, situations, photomontages and photographs, three texts by Catherine Elkar, Lise Guéhenneux and Emmanuel Latreille, two reproductions of fetish paintings four hundred and six years apart from each other, a long interview with Alexandre Castant, forty-six very graphic iconographic notes, the reader will discover the artist's work from the late ‘80s onward.
Textes / texts: Alexandre Castant, Patrice Carré, Catherine Elkar, Lise Guéhenneux et Emmanuel Latreille
Conception graphique / Layout: Thibaut Robin
Caractères / Typefaces: Union (Radim Pesko, 2009), Plantin Light (Frank Hinman Pierpont, 1913)
Langue / Language: Français
22,4 x 29,5 cm
180 pages
Couverture / cover: Couché brillant 135g
Pages intérieures / Inside pages: Offset sans bois 100 et 140g, Munken print white 1,5 90g
Reliure / Binding: Cartonnée / Hardcover
Noir + quadrichromie / Black + four-colour
Impression / Printing: PBtisk, Příbram (République tchèque)
Première édition / First issue: 700 exemplaires / copies
Septembre / September 2020
ISBN: 979-10-96155-12-5
EAN: 9791096155125
35 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Le Mythe
Eruption! Consumption! Burn away! Alexandru Balgiu & Olivier Lebrun
Événement éditosensoriel Designing Writing – Recit graphicogonflable
Crédit photo ECAL Younès Louche
Une pile de livres gonflable de 5*4*3 m résumant les épisodes précédents de Bibiomania A stack of inflatable books of 5*4*3 m summarizing the previous episodes of Bibiomania
Printemps / Spring 2020
Bibliomania, chapter 3: John Form
Créée à l’occasion du quatrième salon Multiple Art Days (Monnaie de Paris, 14-16.09.2018), la collection
« désarmante » pensée pour la Petite Bibliothèque Infernale propose, deux fois par an, un tirage à 50 exemplaires d’une boîte d’allumettes-cartel. Celle-ci devient l’unité exposable de tercets amenés à composer un poème collectible, formulé année après année, en automne et au printemps, jusqu’en 2027. Ce rythme lent d’un chant se composant au long cours, s’incarne dans la publication cadencée de chacune des boîtes-cartels. Elles-mêmes ré-interrogent, dans leur conception, le format du cartellino, à la fois commentaire et augmentation, espace de parole et trompe-l’œil. Mise en forme par le studio officeabc et l’artiste Alexis Chrun, chaque boîte-cartel s’accompagne d’une carte présentant un dessin original de Chrun.
Created on the occasion of the fourth edition of the Multiple Art Days fair (Monnaie de Paris, 14-16.09.2018), the “désarmante” collection, designed for the Petite Bibliothèque Infernale, offers a 50 copy print run of a label-matchbox — a displayable unit made to compose the tercets of a poem collectible year after year, in autumn and spring, until 2027. This slow rhythm of a long-term canto is embodied in the paced publication of each of the label-boxes. Their design examines the format of the cartellino, at once commentary and augmentation, speech space and trompe-l’œil. Produced by studio officeabc and artist Alexis Chrun, each label-box comes with a card featuring an original drawing by Chrun.
Auteurs / Authors: officeabc & Alexis Chrun
Caractères / Typefaces: Eurostyle (Aldo Novarese, 1962) et Bau pro (Christian Schwartz, 2002)
Langue / Language: Français
Dimensions boîte d’allumettes / matchboxes: 5,6 x 2,4 x 0,7 cm
Dimensions carte / card: 5,5 x 8,5 cm
Impression boîte d’allumettes à tête bleue: tampographie, 1 couleur recto
Impression carte: impression numérique, 1 couleur recto / verso
50 exemplaires / copies
Automne / Autumn 2018: naïveté romantique
5 € + 2 € de frais de port / shipping costs
Printemps / Spring 2019: yankee komsomole
5 € + 2 € de frais de port / shipping costs
Collection désarmante
«Créer ensemble les écritures qui se jouent conjointement — aller plus loin qu’une expression individuelle — une expression qui se joue au pluriel — une voix qui fait écho à l’autre puis se portent mutuellement — ceux qui mangent leur pain ensemble qui le partagent — Les Co-pains — ils sont nombreux»
Avec ce quatrième numéro Copain, la revue Approche s’intéresse aux écritures collectives.
“Creating writings that play side by side with one another – going beyond individual expression – an expression that plays out in plurality – two voices echoing and then mutually carrying each other – those who eat pain (French for “bread”) together, who share it – Les Co-pains – there are many”
In its fourth issue, entitled Copain, Approche explores collective writings.
Éditeurs / Editors: Ninon Chaboud et Jimmy Cintero
Participants: Paul Andali, Geoffrey Bourgeois avec Salle de Lecture (Jules Bouit, Victor Sirot, Fréderic Jaman), Maxime Bouton, Ninon Chaboud, Thierry Chancogne, Jimmy Cintero, Wietske Flederus, Émile Greis, Aurane Loury, Lalie Thebault Maviel et We Sow (Paul Faure, Léa Beaubois, Marion Cachon)
Caractères / Typefaces: «SerifBabe » et «Marguerite » (Charlotte Rohde)
Langue / Language: Français
19,7 x 27,4 cm
44 pages
Papier / Paper: Munken Print White 115 g
Reliure / Binding: Couture / Sewing
Risographie / Risograph printing
Impression / Printing: Ésad • Valence (France)
Avec le soutien / With the support of Ésad • Valence
Première édition / First issue: 115 exemplaires / copies
November / November 2019
ISSN: 2608-6751
ISBN: 977-2608-675-10-2
10 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Approche D
N°4 Copain
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Une généalogie des grandes oreilles présente la recherche iconographique menée par l’artiste Lauren Tortil ces trois dernières années, sur ce qu’elle nomme «les grandes oreilles». Ces dispositifs de surveillance militaire qui sollicitent l’écoute médiate (une écoute augmentée par le biais d’un médiateur: outil, instrument, architecture, système, etc.) et que l’Homme moderne n’a eu de cesse d’améliorer dans le but d’anticiper de potentiels dangers.
Cette généalogie, au premier abord technique, se propose de dépasser son principe de filiation. Par le déploiement de 460 images sur 88 planches iconographiques, l’artiste articule sa pensée du sonore par le biais d’images aux registres variés (peintures, extraits de film, dessins techniques, archives photographiques, etc.).
Cette lecture s’accompagne d’un livret encarté réunissant trois textes inédits et les images, légendées et commentées par l’artiste. Épuisant, recontextualisant et déplaçant son sujet au-delà du territoire militaire initial, ce livre nous rappelle – à l’instar des Sound Studies – que la figure de l’Homme aux aguets et la pratique de l’écoute médiate sont profondément intra-connectées au politique, à la science, à la médecine et à l’art.
Une généalogie des grandes oreilles is the result of an iconographic research conducted by artist Lauren Tortil over the past three years on what she calls “Big Ears”: these military surveillance devices that call upon mediated listening – an increased listening through a mediator, such as a tool, an instrument, an architecture, a system, etc. – and that the modern man has relentlessly improved with the purpose of anticipating potential dangers.
This genealogy, at first glance technical, reaches beyond the principle of lineage. In 460 images across 88 iconographic plates, the artist articulates her thoughts about sound through material from various registers: paintings, film extracts, technical drawings, photographic archives, etc.
The reading is accompanied by an inserted booklet comprising three unpublished texts and captioned pictures annotated by the artist. Exhausting, recontextualizing and shifting its subject beyond the initial military territory, this book reminds us – like Sound Studies – that the figure of a man on the lookout and listening practices are deeply intra-connected to politics, science, medicine and art.
Conception éditoriale / Editorial design: Lauren Tortil
Conception graphique / Layout: Léa Audouze et Jérémy Barrault
Textes / Texts: Raphaël Brunel, Bastien Gallet, Melissa Van Drie et Lauren Tortil
Traductions / Translations: Derek Byrne et Matthieu Ortalda
Relecture / Copy editing: Juliette Tixier
Édition bilingue / Bilingual edition: Français, English
21 x 31 cm
176 pages
Couverture / Cover: Constellation Jade Onda 215 g
Pages intérieures / Inside pages: Munken Pure Rough 100 g
Reliure / Binding: Dos carré cousu Otabind/Sewn Otabind
Trichromie cyan + Pantone Bright Red + noir/Three-colour cyan + Pantone bright red + black
+ Livret encarté/Inserted booklet
19,5 x 30 cm
32 pages
Papier/Paper : Planopack blanc Weiss 50 g
Reliure/Binding : Piqûre à cheval/Saddle stitching
Pantone Bright Red
Impression / Printing : Musumeci S.p.A. (Italie)
Première édition / First issue : 500 exemplaires / copies
Octobre / October 2019
ISBN : 979-10-96155-09-5
EAN : 9791096155095
30 € + 10 € de frais de port / shipping costs
Une généalogie des grandes oreilles
Une légende locale raconte qu’en 1909 le peintre et sculpteur Amedeo Modigliani jeta plusieurs sculptures dans les eaux du canal de Livourne, sa ville natale. En 1984, la célébration des cent ans de la naissance de l’artiste permit de mettre en place d’importantes fouilles qui furent couronnées de succès. Deux pierres retrouvées d’Amedeo Modigliani est une lecture et une ré-interprétation du catalogue publié à l’époque, Due pietre ritrovate di Amedeo Modigliani (septembre 1984). Le catalogue italien décrit en textes et en images ce que fut la découverte, dans le Fosso Reale de Livourne, de deux têtes sculptées par Amedeo Modigliani : portfolio photographique, remise en perspective historique, approche biographique, déroulement des recherches, analyses chimiques et techniques. L’extension du récit à l’entour de ce catalogue révèle de quelle manière l’élégante publication italienne, rapidement interdite à la vente, est une uchronie de l’histoire de l’art, un événement qui n’a en réalité jamais existé.
Local legend has it that in 1909, painter and sculptor Amedeo Modigliani threw several sculptures into the canal of his hometown in Livorno, Italy. In 1984, on what would have been the artist’s 100th birthday, an underwater search was organized and proved to be successful. Deux pierres retrouvées d’Amedeo Modigliani is a reading and reinterpretation of Due pietre ritrovate di Amedeo Modigliani, a catalog published in September 1984. Through texts and images, this Italian catalog describes the discovery in Livorno’s Fosso Reale of two heads sculpted by Amedeo Modigliani: photo portfolio, historical perspective, biographical approach, research progress, chemical and technical analyses. The continuity of the story surrounding the catalog reveals how the elegant Italian publication, quickly banned for sale, became a uchronia through an event that never actually took place.
Texte / Text: Christophe Lemaitre
Conception graphique / Layout: Émilie Ferrat et Julie Héneault Caractères / Typefaces: ITC Avant Garde Gothic Std Book, ITC Lubalin Graph Std Book
Langue / Language: Français
13,6 x 18 cm
104 pages
Couverture / Cover: Incada Silk 220 g
Pages intérieures / Inside pages: Holmen Book 75 g White 2.0
Reliure / Binding: Dos carré cousu collé/Section sewn
Couverture avec rabats / Cover with flaps
Noir offset + 1 couleur PMS 285U / Black offset + 1 PMS 285U colour
Impression / Printing: Printon AS, Tallinn (Estonie)
Première édition / First issue: 350 exemplaires / copies
Octobre / October 2019
ISBN : 979-10-96155-16-3
EAN : 9791096155163
19 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Deux pierres retrouvées d’Amedeo Modigliani
A Long List Of Safe Words (A.L.L.O.S.W) est le premier livre de l’artiste et auteur Kevin Desbouis. Il s’agit d’un recueil de textes, poèmes et récits, dont certains ont essaimé en marge de diverses expositions ou de manière plus intime ces dernières années. Son titre est emprunté à une page internet consacrée aux sexualités BDSM. Dans ces pratiques, un safe word est un mot pouvant être employé au cours d’un rapport sexuel par l’un.e de ses protagonistes afin de signifier son souhait d’y mettre un terme ou d’en modifier le déroulement, lui permettant ainsi de s’extraire du dispositif de soumission dans lequel celui ou celle-ci se trouve.
Ce livre a été édité dans le cadre de la résidence «Excellence des Métiers d’Art» menée en 2019 par Kevin Desbouis à l’École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne (Ésaab Nevers) et publié à l’occasion de l’exposition «Puberté 2» présentée à Ravisius Textor du 5 octobre au 16 novembre 2019.
« Viville », deuxième texte du recueil, a paru pour la première fois dans la revue du CAC Brétigny (2019)
A Long List Of Safe Words (A.L.L.O.S.W) is the first book by artist and author Kevin Desbouis. It is a compilation of texts, poems and stories, some of which have appeared in various exhibitions, as well as in a more personal fashion during the past few years. Its title is borrowed from an internet page dedicated to BDSM practices. These practices often feature a safe word, meant to be used by one of the participants to call action to an end, or to modify the act, allowing them to withdraw from the submissive situation they find themselves in.
This book was edited on the occasion of Kevin Desbouis’s residency, “Excellence des Métiers d’Art”, at the École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne (Ésaab Nevers), and it was published for the exhibition “Puberté 2” at Ravisius Textor from October 5 to November 16, 2019.
“Viville / Cicity”, second text of the collection, was first released in CAC Brétigny’s revue (2019)
Langue / Language: Français
12,8 x 18 cm
120 pages
Couverture / Cover: Curious Metallics Iceberg 120 g
Pages intérieures / Inside pages: Holmen Book 75 g White 2.0
Reliure demi Suisse / Semi Swiss binding
Couverture avec rabats / Cover with flaps
HUV offset noir / Black HUV offset printing
Impression / Printing: Printon AS, Tallinn (Estonie)
Première édition / First issue: 350 exemplaires / copies
Septembre / September 2019
ISBN : 979-10-96155-15-6
EAN : 9791096155156
12 € + 5 € de frais de port / shipping costs
A Long List Of Safe Words (A.L.L.O.S.W)
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Créé en 1997, Glassbox a récemment célébré son vingtième anniversaire. À cette occasion, l’équipe actuelle a souhaité présenter plus de 150 projets parmi ceux conduits au cours de ces deux décennies, confrontant différents documents d’archive (photographies, supports de communication, plans…) aux textes des contributeurs qui viennent éclairer d’un regard singulier le déroulement de cette histoire et son inscription dans un contexte culturel en transition.
A cette époque, la scène parisienne institutionnelle est essentiellement constituée du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et du Centre Pompidou, le marché ne compte que quelques galeries parisiennes, et le Palais de Tokyo en est encore au stade de projet. C’est une période durant laquelle émergent les premiers lieux gérés par des artistes, et où le collectif semble être un mode de fonctionnement efficient. Glassbox, fondé par quelques étudiants des Beaux-Arts de Paris, étend rapidement ses activités en se renouvelant au gré des déménagements, et en se transmettant à la génération d’artistes suivante, comme espace d’expérimentation et de rencontre.
Cet ouvrage est l’occasion pour l’un des premiers artist-run spaces parisien (et l’un des derniers survivants de cette époque) de revenir sur le contexte de sa création mais aussi de le confronter aux mutations de la scène culturelle et à sa professionnalisation, avec le développement de la figure du critique et du commissaire.
Au-delà d’un retour sur expérience par les équipes des différentes périodes et des artistes ayant participé au projet, l’ouvrage propose une réflexion plus globale sur les conditions d’émergence des lieux indépendants et collectifs, et leur inscription dans la scène institutionnelle et artistique.
Created in 1997, Glassbox recently celebrated its twentieth anniversary. To mark the occasion, the current team has chosen to present more than 150 of the projects conducted over these past two decades, linking various archives (photographs, communication media, plans ...) to the contributors’ texts, shedding a singular light on the way the space emerged and evolved within a context of cultural transition.
At the time, Paris’s milieu of institutions was essentially made up of the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris and the Centre Pompidou, only a few galleries were on the scene, and the Palais de Tokyo was still at the stage of project development. The first artist-run spaces were only just emerging, and art collectives seemed to be an efficient mode of operation. Founded by a few students from the Beaux-Arts de Paris, Glassbox rapidly expanded its activities by reinventing itself – as it often relocated – and passing itself on to the next generation of artists as an experimental and meeting space.
This book is an opportunity for one of the first artist-run spaces in Paris (and one of the remaining few from that era) to look back at the context of its creation, but also to confront the changes in the cultural scene, as well as its professionalization, which came with the development of the figure of the critic and curator.
Beyond a retrospective of Glassbox’s work, thanks to the various teams that ran the space and the artists involved in the project, the book offers an overall reflection on the emerging conditions of independent and collective spaces, and the way they have impacted the institutional and art scene.
Editeurs / Editors: 1997-2006, Stefan Nikolaev et Julien Fronsacq, avec l’aide de Gemma Shedden, Pierre Beloüin, Jan Kopp et Frédéric Beaumes;2007-2011, Collectif 1.0.3 (Arnaud Bernus, François Bernus et Anne Couzon Cesca);2012-2017, Clémence Agnez et Alisson Haguenier
Textes / Texts: Clémence Agnez, Saâdane Afif, Jean-Christophe Arcos, Dominique Blais, Nicolas Bourriaud, Collectif 1.0.3, Lucille de Witte, Élie During, Flora Katz, Sarah Ihler-Meyer, Irma Name
(Hélène Deléan et Clément Caignart), Sabrina Issa, Patrice Joly, Sophie Lapalu, Ingrid Luquet-Gad,
Éric Mangion, Olivier Marboeuf, Pedro Morais, Stefan Nikolaev, Hans-Ulrich Obrist et Joël Riff
Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Caractères / Typefaces: Times Monospace (Wei Huang), Univers LT 55 Roman (Adrian Frutiger, 1957)
Traduction / Translation: Matthieu Ortalda
Relecture / Copy editing: Juliette Tixier et Simon Poulain
Langue / Language: Français
21 x 29,7 cm
304 pages
Papier / Paper: Lux Cream 1.8 90 g
Reliure / Binding: Dos carré collé/Perfect binding
Quadrichromie + 4 trous classeur/Four-colour + 4 holes
Impression / Printing: Standartu Spaustuve, Vilnius (Lituanie)
Première édition / First issue: 1000 exemplaires / copies
Coédition Glassbox et Tombolo Presses
Août / August 2019
ISBN : 979-10-96155-03-3
EAN : 9791096155033
24 € + 10 € de frais de port / shipping costs
Glassbox
Ce livre propose une traversée dans l’œuvre de Guillaume Pinard via un entretien au long cours réalisé avec les critiques Franck Balland et Julie Portier. Si le commentaire est venu avant les images, leur agencement guidé par le texte pourrait produire des récits inédits. Il sera notamment question: du recul du service public, de l’inspecteur Columbo, de la foire au boudin de Locronan, de formes organiques, sexuelles, fécales, de profanation, de copie, de médiation culturelle, de réseaux sociaux, de virtuosité, de rencontre, de Gustave Courbet, de Rahan, de Mondrian, des Pokémon, de peinture, de psychanalyse, du refus de l’inconscient, de micro-histoire, de signes, de l’évolution des espèces, du tarot, de beauté.
This book offers a journey into the work of Guillaume Pinard in the shape of a long conversation with art critics Franck Balland and Julie Portier. While the commentary arrived before the pictures, their presentation in this book is guided by the text and can produce new narratives. The conversation includes various themes such as the decline of public service; detective Columbo; Locronan’s blood sausage fair; organic, sexual and fecal forms; profanation; reproduction; cultural mediation; social media; virtuosity; the encounter; Gustave Courbet; Rahan; Mondrian; Pokémon; painting; psychoanalysis; the refusal of the subconscious; microhistory; signs; the evolution of species; tarot; and beauty.
Born in 1971, Guillaume Pinard lives and works in Rennes. He is a graduate of the École régionale des Beaux-Arts in Rennes – today’s École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne, where he has been teaching since 2012. He is represented by the gallery anne barrault.
Entretien / Conversation: Guillaume Pinard, Franck Balland et Julie Portier Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Traduction / Translation: Matthieu Ortalda
Relecture / Copy editing: Marianna Reis (EN) et Juliette Tixier (FR)
Caractères / Typefaces : Century Old Style
Edition bilingue / Bilingual edition: Français, English
21 x 28 cm
144 pages
Couverture / Cover: Munken pure 120 g
Pages intérieures / Inside pages: Couché brillant 135 g
Reliure / Binding: Cartonnée/Hardcover
Quadrichromie/Four-colour
Impression / Printing: PBtisk, Příbram (République tchèque)
Première édition / First issue: 1000 exemplaires / copies
Juin / June 2019
ISBN : 979-10-96155-13-2
EAN : 9791096155132
25 € + 10 € de frais de port / shipping costs
Du Fennec au Sahara
Le graphiste, le designer graphique, le typographe semblent apparaître avec la notion toujours complexe de modernité, en tous cas avec le mouvement d’une industrialisation plus consciente d’elle-même. C’est ce que paraît soutenir le grand défenseur de la modernité, Robin Kinross, lorsqu’il situe les débuts de la modern typography au 17e siècle, alors que l’artisan imprimeur sort de son atelier noir pour prendre le recul réflexif du libraire qui édite des contenus ou du typographe qui pense, institue et relaie sa pratique dans des manuels professionnels.
Mais est-ce à dire qu’on ne puisse parler de graphisme avant l’institution de cette modernité et de cette pratique du graphiste ? C’est à cette question intempestive que veut s’attaquer Thierry Chancogne, enseignant et théoricien du graphisme, en tentant de repérer les moments de rupture de phase de l’histoire longue de cette discipline avant même qu’elle ne soit reconnue comme telle.
Premier temps et premier mouvement de cette «histoire», il sera question dans ce recueil de matériaux les plus divers que l’auteur aura pu rencontrer – artistiques, techniques, éthologiques, anthropologiques, psychologiques, archéologiques, etc. – d’envisager la graphie avant l’apparition de l’écriture, de penser le graphisme au temps plus ou moins originel de l’oralité et du mythe, avant la confiscation du logos par le prestige un brin exclusif de l’écriture.
The graphic designer, the graphiste and the typographer always seem to appear alongside the ever more complex notion of modernity, or, at any rate, the movement of an ever more self-aware industrialization. This is what seems to be supported by the great defender of modernity, Robin Kinross, as he situates the beginnings of modern typography in the 17th century, when the artisan printer left his dark studio to assume the reflexive stance of a librarian who edits content, or that of a typographer who considers, establishes and shares his practice in professional handbooks.
But does this mean graphic design was non-existent before said modernity and the recognition of the graphic designer’s practice ? Such is the untimely question that graphic design teacher and theoretician Thierry Chancogne tackles, as he attempts to identify this discipline’s moments of rupture in the long run of history, even before it was recognized as such.
As a first beat and movement of this "history", the question asked in this collection of the most diverse materials – artistic, technical, ethological, anthropological, psychological, archaeological – that the author encountered, will be to consider the written form before the appearance of writing, and to think of graphic design at the more or less original time of oral tradition and myth, before the confiscation of the logos by the somewhat exclusive prestige of writing.
Langue / Language: Français
12 x 20 cm
224 pages
Couverture / Cover: Alaska Plus 280 g + Jaquette PVC / Dustjacket
Pages intérieures / Inside pages: Magno gloss 135 g
Reliure / Binding: Dos carré cousu Otabind/Sewn Otabind
Quadrichromie/Four-colour
Impression / Printing: Die Keure, Bruges (Belgique)
Première édition / First issue: 1000 exemplaires / copies
Avril / April 2018
ISBN: 979-10-97348-00-7
EAN: 9791097348007
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Histoire du Graphisme avant la modernité en trois temps et cinq mouvements (Franciscopolis éditions)
Premier temps. Avant l’écriture. Premier mouvement. Muthôs.
Cette édition bilingue en deux livrets regroupe de courts textes assemblés, récits et dialogues de Laure Vigna, accompagnés de notes provenant de médias, de la presse scientifique ou d’actualités. Plusieurs narrateur.rice.s aux identités plus ou moins abstraites, représentant tour à tour des matériaux, des formes sculpturales ou encore l’autrice, semblent prendre la parole sous l’effet de leurs états émotifs. Se partageant les mêmes espaces d’actions et de paroles, il.elle.s vont au fur et à mesure du texte se mêler et se confondre, ne formant plus qu’un seul corps. Cette publication est le fruit d’une collaboration avec Roxanne Maillet, graphiste, avec qui une recherche sur les typographies et lettres comme «corps - espaces - réceptacles» a été menée. Cette édition a été réalisée dans le cadre des «Résidences Secondaires» au Parc Saint Léger, centre d’art contemporain à Pougues-les-Eaux.
This bilingual two-booklet edition comprises a collection of Laure Vigna’s short assembled texts, stories and dialogues, along with notes and news from the media and scientific press. Several narrators of more or less abstract identities — one by one representing material, sculptural forms or the author herself — speak out under the effect of their emotional states. Sharing mutual spaces of words and action, they mix and merge throughout the text until they become one. This publication is the result of a collaboration with graphic designer Roxanne Maillet who conducted research on typography and letters as “bodies - spaces - receptacles”. This edition was produced as part of “Résidences Secondaires” at Parc Saint Léger, contemporary art center in Pougues-les-Eaux, France.
Edition bilingue / Bilingual edition: Français, English
12,5 x 17,5 cm
Deux livrets de 40 pages / Two booklets of 40 pages
Papier / Paper: Munken 115 g
Reliure / Binding: Piqûre à cheval / Saddle stitching
Risographie deux couleurs / Two colours Risograph printing
Impression / Printing: Ravisius Textor, Nevers (France)
Première édition / First issue: 70 exemplaires / copies
Mars / March 2019
ISBN : 979-10-96155-14-9
EAN : 9791096155149
17 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Dans Ces Flaques Inquiètes Où Elle Tourne Sans Cesse In These Worried Puddles Where She Incessantly Spins
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Cette publication esquisse un paysage de l’aire de jeux au Japon sans en proposer un point de vue unitaire ni viser à l’exhaustivité. Elle approche ce territoire en le distinguant de celui qu’offrent l’Europe et les États-Unis, dont il procède et révèle des aspects impensés: la question de la survie à la catastrophe, mais aussi celles du jardin et de l’environnement.
Cette anthologie réunit des textes traduits depuis le japonais ou l’anglais, des photographies et des fac-similés de publications et d’archives - souvent inédits - au croisement des histoires du Japon, de l’architecture, de l’urbanisme, du design, de la pédagogie et de l’art contemporain. Elle s’intéresse notamment à plusieurs figures historiques telles que les concepteurs d’aires de jeux Kurō Kaneko, Kenichiro Ikehara et Mitsuru Senda ou encore au parc Kodomo no kuni, conçu par Takashi Asada et pour lequel Isamu Noguchi réalisa sa première aire de jeux, et les architectes métabolistes (Takashi Asada, Kiyoniri Kikutake, Kishō Kurokawa et Sachio Ōtani) imaginèrent des bâtiments aussi iconiques que peu étudiés jusqu’ici.
L’anthologie comprend également des textes traduits pour la première fois en français de l’artiste Tarō Okamoto sur les relations entre l’art et le jeu, de l’historien d’art et influent critique Noi Sawaragi, sur les liens entre Kodomo no kuni et l’exposition universelle d’Osaka en 1970, ou encore sur les adventure playgrounds, qui au Japon perdurent encore.
This publication sketches a landscape of Japanese playgrounds without suggesting a unitary point of view nor aiming at completeness. It approaches such territory by distinguishing it from what Europe and the United States offer in that respect, processing and revealing aspects not thought of in the Western world:the question of surviving disaster, but also those of the garden and the environment.
This anthology brings together texts translated from Japanese and English, photographs, and facsimiles of publications and archives – often unpublished – at the crossroads of Japan’s history of architecture, urbanism, design, pedagogy and contemporary art. It focuses in particular on several historical figures such as playground designers Kurō Kaneko, Kenichiro Ikehara and Mitsuru Senda, or Takashi Asada’s Kodomo no kuni Park for which Isamu Noguchi made his first playground and the metabolic architects (Takashi Asada, Kiyoniri Kikutake, Kishō Kurokawa and Sachio Ōtani) imagined buildings as iconic as they are understudied so far.
This anthology also includes texts by artist Tarō Okamoto, translated into French for the first time, on the relationship between art and play, as well as texts by art historian and influential critic Noi Sawaragi on the links between Kodomo no kuni and the 1970 Osaka World Expo, and on adventure playgrounds, which still exist in Japan.
Editeur / Editor: Vincent Romagny
Textes / Texts: Vincent Romagny, Kurō Kaneko, Mary Mitchell, Isamu Noguchi, Takashi Asada, Sachio Ōtani, Noi Sawaragi, Tarō Okamoto, Hideaki Amano, Helen Woolley, Isami Kinoshita, Kenichiro Ikehara et Mitsuru Senda
Conception graphique / Layout: Marie Proyart et Malou Messien pour Catalogue Général
Images: Akira Kurosawa, Hirokazu Kore-Eda, Kito Fujio, Domon Ken, Kasumi Fujisawa, Arakawa & Madeline Gins, Hanegi Play Park (Setagaya, Tokyo), Kenichiro Ikehara, Toshiko Horiuchi MacAdam, Kotobuki Corporation (Tokyo), Kurō Kaneko, Kiyonori Kikutake, Kishō Kurokawa, Maeda Environment Art Co., Fujitsuka Mitsumasa pour Mitsuru Senda, Nido industrial design office (Tokyo), Uzō Nishiyama, Isamu Noguchi Foundation, Masao Okada, Shōnen Magajin, Tarō Okamoto, Tadashi Ono, archives de la mairie d’Ōta, Sachio Ōtani, THE PLAY, Arnaud Rodriguez, Vincent Romagny, Mitsuru Senda, Helen Woolley et Hoshihiko Yoshida
Plans / Blueprints: collection de l’Agence nationale de l’architecture moderne (Tokyo), The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum (New York) / ARS
Caractères / Typefaces : « Superstudio » (Jonathan Hares, 2003) et « Cirkulus » (Friedrich Neugebauer, 1970)
Traductions / Translations: Mathieu Capel, Timothée Lecaudey, Simon Miné, Matthieu Ortalda, Anne Regaud-Wildenstein et Amira Zegrour
Relecture / Copy editing: Juliette Tixier
Langue / Language: Français
16,4 x 22,8 cm
504 pages
Couverture / Cover: Offset standard 300 g
Pages intérieures / Inside pages: Offset standard 100 g
Reliure / Binding: Otabind
Quadrichromie + noir + 1 couleur PMS 923 fluo / Four-colour + black + 1 PMS 923 fluo colour
Impression / Printing: Cassochrome, Waregem (Belgique)
Photogravure / Photoengraving: Fotimprim, Paris
Première édition / First issue: 1050 exemplaires / copies
Les expositions à l’issue desquelles cette publication voit le jour – mais dont elle n’est pas un catalogue – réunissaient des œuvres d’artistes japonais et d’artistes français ayant séjourné au Japon, autour d’un même objet, l’aire de jeux, et d’un même thème, le souci de l’enfance.
This publication emerges as a compilation – though not a catalog – of the exhibitions that brought together the works of Japanese and French artists who had stayed in Japan at the time, focusing on a common object, the playground, and a common theme, the concern for childhood.
Mars / March 2019
ISBN : 979-10-96155-07-1
EAN : 9791096155071
40 € + 10 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Anthologie Aires de jeux au Japon
Pour ce troisième numéro d’Approche, Ninon et Jimmy invitent 6 participant.e.s à s’intéresser aux écritures, aux traces, aux inscriptions hors de la page, de la stèle, du marbre — supports traditionnels de l’écriture.
For the third issue of Approche, Ninon and Jimmy have invited 6 participants to express their interest in scriptures, traces and inscriptions off the page, the stele and marble — traditional mediums for writing.
Éditeurs / Editors: Ninon Chaboud et Jimmy Cintero
Participants: Hélène Coussedière, Alexandre Dancoine, Solène Lautridou, Marie Verley-Doz, Marie Van den Broucke et Jolien Wallenus
Caractères / Typefaces: «Savon» (Léo Guibert, Fanny Hamelin, Loan Bottex et Marion Sendral)
Photographie page de garde: Annie Chaboud
Langue / Language: Français
19,7 x 27,4 cm
36 pages
Papier / Paper: Munken Print White 115 g
Reliure / Binding: Couture / Sewing
Risographie / Risograph printing
Impression / Printing: Ravisius Textor, Nevers (France)
Première édition / First issue: 55 exemplaires / copies
Janvier / January 2019
ISSN: 2608-6751
ISBN: 977-2608-675-06-5
6 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Approche C
N°3 Hors
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Le n°8 de «la Trance », la suite des publications de Raphaël Garnier, prend la forme et le nom du Papillon. Un papillon qui collecte 21 dessins parmi ceux qu’il a réalisé chaque jour à la main, à la plume, au feutre, au pinceau, sans esquisse préalable, sur papier rose, dans un état de «Trance» alors qu’il se rêvait peintre. Un peintre finalement serein, assis au milieu de son atelier de travail, peut-être pas rouge, mais au moins rose. Un peintre entouré de la collection de ses dessins voluptueux épinglés sur les murs, comme une collection de papillons luxueux. Un peintre qui ouvrait comme pour une visite d’atelier l’exposition «Le papillon dans l’atelier rose » à Ravisius Textor.
The 8th issue of «la Trance », Raphael Garnier’s series of publications, takes the shape and name of Papillon. A butterfly that comprises 21 of the drawings he has been making every day, as he dreamed himself to be a painter in a state of «Trance», with a ball pen, a felt pen or a paintbrush, on pink paper and without preliminary sketch. A painter, finally serene, sitting in the middle of his workshop which, perhaps, was not red, but at least pink. A painter surrounded by his voluptuous drawings pinned to the walls, like a collection of luxurious butterflies. A painter who opened his exhibition «Le papillon dans l’atelier rose »
(«The butterfly in the pink workshop ») at the bookshop Ravisius Textor, as if it was in his workshop itself.
Edition, conception graphique / Edition, layout: Raphaël Garnier
Caractères / Typefaces: «Adulte » (Raphaël Garnier)
21 reproductions de formats variés / reproductions of various formats
23 x 30 cm
32 pages
Couverture / Cover: Carte Maya Clairfontaine rose claire 270 g
Pages intérieures / Inside pages: Papier offset 140 g
Reliure / Binding: Piqûre à cheval / Saddle stitching
Noir / Black HP Indigo printing
Impression / Printing : PPA, Montreuil (France)
Première édition / First issue: 200 exemplaires / copies
Décembre / December 2018
ISBN: 979-10-96155-11-8
EAN: 9791096155118
12 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Papillon, la Trance N°8
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Comment poser un flux d’informations sur papier ? Poptronics, le média des cultures hacktives, fête dix ans d’information online avec un livre de 272 pages.
À rebours de l’évolution de la presse, contrainte à la mutation numérique, Poptronics choisit le support papier pour réinventer l’archive. Depuis 2007, le média en ligne fondé par la journaliste critique Annick Rivoire et une équipe d’auteurs, critiques et artistes résiste aux mantras du temps présent (réseaux sociaux, accélérationnisme, big data, selfisation), défend des pratiques autonomes en ligne, observe et critique les évolutions de la culture et de la société de l’information, décloisonne et hybride les pratiques (open source, circuit bending, art sonore, jeu vidéo indé, hacktivisme, net art, noise…). Pour ses dix ans, sous la direction artistique de Christophe Jacquet dit Toffe et la direction éditoriale d’Annick Rivoire et de Matthieu Recarte, Poptronics a imaginé une archive collective, conçue à partir d’une collecte de liens, parmi les 2 500 articles publiés sur poptronics.fr. Cette matière première digitale a été confiée à des artistes de la scène numérique française. Agnès de Cayeux, Albertine Meunier, Christophe Jacquet dit Toffe, David Guez, Nicolas Frespech, Optical Sound, Pierre Giner, Roberte la Rousse (Cécile Babiole et Anne Laforet), Systaime, Trafik et Vincent Elka ont (dé)construit l’archive en la re-créant.
Résultat: un objet mutant, transgenre et résolument contemporain.
How does one put a flow of information on paper ? Poptronics, the platform of hacktive cultures, is about to celebrate ten years of online information with a 272-page book.
Wrong-footing the mandatory evolution of the digitally-mutating press, Poptronics chose print to reinvent the archive. Founded by critical journalist Annick Rivoire and a team of authors, critics and artists, the online platform has been resisting the mantras of present time — social media, accelerationism, big data, selfie-zation — since 2007. They have defended autonomous practices online, observed and criticized the evolutions of culture and the information society, and de-compartmentalized and hybridized various practices (open source, circuit bending, sound art, indie video game, hacktivism, net art, noise...). For its tenth anniversary, under the artistic direction of Christophe Jacquet aka Toffe and the editorial direction of Annick Rivoire and Matthieu Recarte, Poptronics has imagined a collective archive drawing from the 2,500 articles published on poptronics.fr. This digital raw material has been entrusted to artists of the French digital scene. Agnès de Cayeux, Albertine Meunier, Christophe Jacquet aka Toffe, David Guez, Nicolas Frespech, Optical Sound, Pierre Giner, Roberte la Rousse (Cécile Babiole and Anne Laforet), Systaime, Trafik and Vincent Elka (un)built the archive by recreating it.
The result: a mutant, transgender and resolutely contemporary object.
Editeurs / Editors: Matthieu Recarte et Annick Rivoire
Contributeurs / Contributors: David Guez, Albertine Meunier, Agnès de Cayeux, Systaime, Roberte la Rousse (Cécile Babiole et Anne Laforet), Nicolas Frespech, Trafik (Pierre et Joël Rodière), Pierre Giner, Optical Sound (Pierre Beloüin et P. Nicolas Ledoux), Vincent Elka (Ana Vocera, Lokiss) et Christophe Jacquet dit Toffe
Direction artistique / Art director: Christophe Jacquet dit Toffe
Caractères / Typefaces: «TRESGROSTEXT », «Poptype » et «Times New Roman PS »
Traduction / Translation: Cherise Fong
Relecture / Copy editing: Sarah Ahnou
Edition bilingue / Bilingual edition: Français, English
21 x 29,7 cm
272 pages
Couverture / Cover: Cartonnée / Binder’s case Pages intérieures / Inside pages: Magno Gloss 130 g
Reliure / Binding: Dos carré cousu collé / Section sewn
Quadrichromie + argent et fluo / Four-colour + silver and fluo printing
Jaspage argent / Silver edge gilding
Impression / Printing: PBtisk, Příbram (République tchèque) Photogravure / Photoengraving : Ombre & Lumière, Lavaur
Première édition / First issue: 800 exemplaires / copies
Coédition Poptronics et Tombolo Presses
Décembre / December 2018
ISBN: 979-10-96155-10-1
EAN: 9791096155101
35 € + 10 € de frais de port / shipping costs
Poptronics
L’année de ses dix ans, après une dispute, une toute jeune fille met fin aux relations avec un père très vite séparé de sa mère. Un solitaire du cap de la Colère au Finistère. Un homme du large, des marges et des rivages. Elle recevra désormais, au moins une fois par mois, des salaisons iodées, des livres de navigation, des coupures de presse et, enfouie au fond du colis, une lettre pleine de vent, de bateaux, de conseils, et d’une écriture serrée étrangement penchée à gauche. Elle attendra dix ans pour répondre par un livre qui édite ce trésor épistolaire de nouvelles du père, de nouvelles de l’Ouest.
On the year of her tenth birthday, after an argument, a quite young girl decides to put an end to the relationship with her father, who had quickly become estranged from her mother – a solitary man from the Cape of Wrath in Finistère, a man of the sea and shores. From then on, she receives salted packages of sailing books, press cuts and, deep inside, letters filled with wind, boats and advices in a tight handwriting tilting strangely to the left. She will wait ten years to respond, with a book that compiles her father’s epistolary treasure of news from the West.
Langue / Language: Français
13 x 20,3 cm
228 pages
Couverture / Cover: Scandia 2000 270 g
Pages intérieures / Inside pages: Scandia 2000 90 g
Reliure / Binding: Dos carré cousu collé / Section sewn
Noir / Black offset printing
Impression / Printing: Kopa, Ramučiai (Lituanie)
Première édition / First issue: 300 exemplaires / copies
Deuxième édition / Second issue: 500 exemplaires / copies
Première édition / First issue: Octobre / October 2014
Deuxième édition / Second issue: Novembre / November 2018 (en coédition avec Rotolux Press)
ISBN: 978-2-9546842-1-5
EAN: 9782954684215
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Nouvelles de l’Ouest
Un opéra visuel «parlé chanté» de Florent Dubois mis en scène par officeabc avec un libretto de Jill Gasparina, Stephen Knott, Aurèle Nourisson, Joël Riff et Guiral & Domingues.
La publication SIMPLE GIFT se présente à la manière d’une cartographie formelle ou même d’un plateau de jeux d’agencements adaptés d’une double inspiration: les Simple Gifts ou offrandes simples réalisées au 19e siècle par les Shakers américains, dessins aux qualités étonnantes et symboliques. Et les opéras dits parlé-chanté ou sprechgesang, du début du 20e siècle dans lesquels on entend aussi bien déclamations parlées que chants murmurés. SIMPLE GIFT a été imaginé comme un plateau de mise en scène de contenus. Un seul grand format de 120x128cm permet d’organiser toutes les images et tous les textes. Cette organisation devient le lieu d’une composition visuelle réalisée à partir des travaux de l’artiste et céramiste Florent Dubois.
Agencé selon une grille aux contours simples, faite de bandes horizontales et de découpes verticales, le format 120 x 128 cm révèle alors une astucieuse transformation allant de la grande affiche au format plié, de bandes visuelles au livret de lecture en passant par des cartes textuelles autonomes. Dans le détail, les trois premières bandes sont réservées à un espace d’interprétation «chanté» des travaux et recherches de Florent Dubois. La quatrième bande concerne les cahiers textuels «parlés» tandis que la dernière et cinquième bande servira de couverture pour les informations génériques.
Le façonnage final détermine ainsi l’ensemble de la publication SIMPLE GIFT, il active des multiples ayant chacun leur propre autonomie et leur échelle. Réunis ensemble c’est une ode à une architecture théâtrale et colorée où fragments et hasards préparés restent présents, chefs d’orchestre de ce ballet spectral de couleurs et de formes.
A visual sprechgesang opera by Florent Dubois arranged by officeabc, with a libretto by Jill Gasparina, Stephen Knott, Aurèle Nourisson, Joël Riff and Guiral & Domingues.
SIMPLE GIFT is a publication taking the guise of a formal map, furthermore, of a layouts’ board game. The latter is inspired both by the Simple Gifts, or 19th century symbolic and dazzling drawings designed by the American Shakers community, but also by the sprechgesang or parlando operas dating back to the early 20th century when the musical techniques of the recitative were used by the international expressionist movement. SIMPLE GIFT has been devised as a scene displaying contents. A single and large format, 120 × 128 cm, allows an arrangement of all texts and images. This organisation of contents becomes the place of a visual layout composed with the works of French artist and ceramist Florent Dubois.
Built on a simple grid made of horizontal strips and vertical trims, the format reveals a metamorphosis that astutely goes from a large poster to a folded booklet, from textual and autonomous postcards to visual strips.To be precise, the first three strips are space to a vivid and bright-coloured interpretation, singing Florent Dubois’s research work. The fourth strip hold the spoken libretto, while the fifth and last strip serves as a cover for all the generic info.
The final folding thus determines the general aspect of SIMPLE GIFT. It activates a set of multiples each holding its own autonomy and scale. All assembled they form an ode to a theatrical and colourful architecture within which fragments and prepared chances are present, gifted conductors of a spectral ballet of shapes and colours.
Editeurs / Editors: Florent Dubois & officeabc
Textes / Texts:
Jill Gasparina, Stephen Knott, Aurèle Nourisson et Joël Riff
Conception graphique / Layout: officeabc
Caractères / Typefaces: «Nimbus Sans L abc » (Thomas Bouville & officeabc, 2015) et «Face it! »
(West Wind Fonts, 2001)
Traductions / Translations: John O’Toole et Laurent Perez
Relecture / Copy editing : Juliette Tixier
Edition bilingue / Bilingual edition : Français, English
26 x 30 cm
70 pages
1 pochette plastique transparente 26 x 30 cm
3 leporellos, 8 pages chacun, 26 x 30 cm (fermé), 26 x 120 cm (ouvert), impression quadri sérigraphie sur papier couché 210 g
1 libretto, 40 pages, 13 x 24 cm, impression quadri sérigraphie et noir et blanc xerox sur papier couché 210 g et papier coloré 180 g
1 carte, 2 pages, 21 x 29,7 cm, impression numérique quadri sur carta 400 g
1 carte, 2 pages, 14,8 x 21 cm, impression numérique noir et blanc sur carta 270 g
1 carte, 2 pages, 12 x 24 cm, impression quadri sérigraphie sur papier couché 210 g
Impression / Printing: Lézard Graphique, Brumath (France)
Première édition / First issue: 200 exemplaires / copies
Juillet / July 2018
ISBN: 979-10-96155-01-9
EAN: 9791096155019
22 € + 5 € de frais de port / shipping costs
SIMPLE GIFT
Poursuivant leur recherche née durant leur diplôme de Master 1 à l’Ésaab Nevers, Ninon et Jimmy éditent le numéro B de la revue Approche. Ce dernier s’interroge sur la typographie dans l’espace public.
Continuing the research undertaken during their Master’s degree at École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne (Ésaab Nevers), Ninon and Jimmy published issue B of Approche, which explores the question of typography in public space.
Editeurs / Editors: Ninon Chaboud et Jimmy Cintero
Introduction: Ninon Chaboud et David Poullard
Participants: Paul Andali, Louis Brousseau, Maya Cunat, Lucie Ducrey, Valentin Garcia et Floriane Rousselot
Caractères / Typefaces: «Veld » (Daniel Coull)
Langue / Language: Français
19,7 x 27,4 cm
28 pages
Papier / Paper: Munken Print White 115 g
Reliure / Binding: Couture / Sewing
Risographie / Risograph printing
Impression / Printing: Ravisius Textor, Nevers (France)
Première édition / First issue: 55 exemplaires / copies
Juin / June 2018
ISSN: 2608-6751
ISBN: 977-2608-675-06-5
6 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Approche B
N°2 Typolitique
Collection Ravisius Textor, Tombolo Presses
Réalisée par des étudiants dans le cadre de leur diplôme de Master 1 à l’Ésaab Nevers, Approche est une revue qui questionne l’écriture et sa typisation. C’est un espace d’expérimentation et de proposition typo-graphique construit à partir de contributions proposées par — ou commandées à — des étudiants. Le numéro 1 s’intéresse au schéma idée—parole—écrit et interroge ce processus peut-être premier et stéréotypé de la production de l’écriture.
Designed by Master’s students at Ésaab Nevers, Approche is a publication focused on writing and typography, and meant as a space of experimentaton and typographic expression. Students’ contributions were either suggested or commissioned. The first issue deals with the pattern idea—speech—writing, and questions the primary and stereotyped nature of this process of writing production.
Editeurs / Editors: Ninon Chaboud et Jimmy Cintero
Participants: Sarah-Camille Malandain, Victor Sirot, Jules Durand, Paul Faure et Anaïs Chappelet
Caractères / Typefaces: «Eddy » (Eliott Grunewald)
Langue / Language: Français
19,7 x 27,4 cm
16 pages
Papier / Paper: Munken Print White 115 g
Reliure / Binding: Couture / Sewing
Risographie / Risograph printing
Impression / Printing: Ravisius Textor, Nevers (France)
Première édition / First issue: 35 exemplaires / copies
Deuxième édition / Second issue: 35 exemplaires / copies
Mars / March 2018
ISSN: 2608-6751
ISBN: 977-2608-675-06-5
6 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Quel rapport, autre qu’instrumental ou de «maîtrise», le designer peut-il entretenir avec les techniques qu’il exerce? Quelles «façons de faire» cultivons-nous quand nous avons de la considération pour les cultures techniques? Et plus généralement qu’est-ce qui fait culture technique aujourd’hui? Telles sont les questions dont témoigne cette édition. Des interrogations qui ont animé dans le cours de l’année 2017–2018, le projet pédagogique de recherche «Par nos propres efforts» piloté par Grégory Marion à l’École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne (Ésaab). Sous le nom repris d’une publication cubaine des années 1990, le document de restitution articule des documentations de la journée d’étude qui a réuni Caroline Maniaque-Benton et Pierre-Damien Huyghe; des reproductions du corpus de publications de natures diverses qui documentent et diffusent la technique réunies pour l’occasion – de la Free Press aux catalogues Manufrance en passant par les vidéos Youtube de «L’énergie Autrement»; et des traces de deux ateliers de production: l’un consacré à l’interprétation de la grammaire de l’ouvrage emblématique d’Enzo Mari «Proposta per un’autoprogettazione», l’autre dédié à la réalisation d’un appareil de transformation/fabrication sous l’animation de l’activiste de la low technologie et de l’autonomie énergétique Barnabé Chaillot.
La publication propose deux textes inédits de Grégory Marion et Caroline Maniaque-Benton.
What relationship, other than instrumental or «mastery», may the designer foster with his technique ? What are our «ways of doing» things when we consider technical culture? And in a more general sense, what is technical culture today ? Such are the questions central to this issue, feeding the educational research project «Par nos propres efforts» led by Grégory Marion at Ésaab, during the 2017-2018 school year. Under the borrowed name of a Cuban publication from the 1990s, the restitution document connects the materials gathered for a colloquium with Caroline Maniaque-Benton and Pierre-Damien Huyghe; reproductions of the corpus’ various publications that document and aim to spread technical knowledge – from the Free Press to Manufrance catalogues and YouTube videos of «L’Énergie Autrement» – as well as traces of two production workshops, one dedicated to the interpretation of grammar in Enzo Mari’s iconic work «Proposta per un’autoprogettazione», and the other to the creation of a transformation/production device under the supervision of Barnabé Chaillot, activist for low technology and energy autonomy.
The publication features two previously unpublished texts by Grégory Marion and Caroline Maniaque-Benton.
Editeur / Editor: Grégory Marion
Textes / Texts: Grégory Marion et Caroline Maniaque-Benton
Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Langue / Language: Français
21 x 29,7 cm
60 pages
Papier / Paper: Couché brillant 135 g
Reliure / Binding: Piqûre à cheval / Saddle stitching
Quadrichromie / Four-colour
Impression / Printing: print24.com
Première édition / First issue: 500 exemplaires / copies
Mars / March 2018
ISBN: 979-10-96155-00-2
EAN: 9791096155002
7 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Par nos propres efforts, Documenter, lire, opérer et montrer les « manières de faire »
Au début des années 2000, Aldo Herlaut, directeur du Centre Culturel Français à Alger, confie la mise en livre de la collection de poèmes, de documents et de témoignages tissée autour de la figure homosexuelle libertaire et fidèle à l’Algérie de Jean Sénac à Christophe Jacquet. Pour Jean Sénac n’est pas la seule édition prévue au catalogue des éditions Rubicube et de la collection A4. Pour proposer aux relations contrariées de la France et de l’Algérie un visage plus libre, souriant et sensible, d’autres titres sont prévus. On veut revendiquer la figure et l’œuvre méconnue de l’écrivaine cosmopolite et aventureuse Isabelle Wilhelmina Marie Eberhart. Une française d’origine russo-allemande née en Suisse qui finira musulmane, aux côtés des populations algériennes et réfractaire à la société coloniale. Sous le titre Bienvenue, Christophe Jacquet veut éditer un ensemble de photographies des paysages, des vies, des activités et des présences de l’Algérie post-coloniale et post-GIA qu’il a prises lors de la préparation du Pour Jean Sénac et de la réalisation de l’identité visuelle du Centre Culturel Français et algérois.
Finalement Pour Jean Sénac sera le seul projet imprimé de ce programme éditorial ambitieux. Un livre imprimé mais qui ne connaitra pas de lancement officiel et finira pour une bonne part de ses exemplaires dans des cartons peut-être encore aujourd’hui endormis quelque part dans le Centre Culturel Français de la capitale de l’Algérie. Le présent ouvrage édité à l’occasion du programme de recherche Designing Writing de l’École Cantonale d’Art de Lausanne veut en quelque sorte ranimer cette histoire éditoriale oubliée. Il s’agit, par l’édition d’une conversation autour du Pour Jean Sénac et de la publication ou de la réédition de documents d’époque ou de productions contemporaines de Christophe Jacquet, de procéder à un lancement intempestif. Il s’agit, treize ans après sa sortie, de souhaiter Bienvenue à Pour Jean Sénac.
In the early 2000’s, Aldo Herlaut, director of the French Centre for Culture in Algiers, entrusted Christophe Jacquet with the creation of a book of a collection of poems, documents and testimonies woven around the libertarian, homosexual figure, of Jean Sénac, someone who had always remained faithful to Algeria. Pour Jean Sénac was not the only publication planned for the éditions Rubicube catalogue and the A4 collection. Hoping to provide a freer, happier and more sensitive image of the sometimes difficult relationship that exists between France and Algeria, other titles were also planned. We wish to vindicate the unknown figure and work of the cosmopolitan and adventurous writer, Isabelle Wilhelmina Marie Eberhart. A French woman of Russian-German origins, who was born in Switzerland and who who went on to become a muslim, living alongside an Algerian population, and resistant to colonial society. Under the title, Bienvenue, Christophe Jacquet has the intention of publishing a collection of photographs of landscapes, lives, activities and presences in postcolonial and post-GIA Algeria that he took while preparing Pour Jean Sénac and the creation of the visual identity of the French and algerian Centre for Culture.
Ultimately, Pour Jean Sénac would be the only project printed in this ambitious editorial project. A book that was printed but that would not have any official launch, with most of the copies that were printed ending up in boxes, perhaps still languishing somewhere in the French Centre for Culture in the capital of Algeria. The current edition, published as part of the Designing Writing research programme of the École Cantonale d’Art de Lausanne, intends to some extent to bring this forgotten story of publishing back to life. It is a matter here, through the publishing of a conversation around Pour Jean Sénac and the publication or re-edition of documents from that epoch, or the contemporary productions of Christophe Jacquet to proceed with an untimely launch. It is a matter of, thirteen years after its release, of wishing a warm Bienvenue to Pour Jean Sénac.
Textes / Texts: Thierry Chancogne et Christophe Jacquet dit Toffe
Iconographie: 13 scans + 13 photographies d’Algérie
Conception graphique / Layout: Christophe Jacquet dit Toffe et Clément Faydit
Caractères / Typefaces: «Times new roman » + titre en arabe
Traduction / Translation: Derek Byrne
Relecture / Copy editing: Juliette Tixier, Alexandru Balgiu et Katie Dillinger
Edition bilingue / Bilingual edition: Français, English
21 x 29,7 cm
64 pages
Couverture / Cover: Jean Sénac Debout 300 g
Pages intérieures / Inside pages: Jean Sénac Couché 120 g
Reliure / Binding: Piqûre à cheval / Saddle stitching
Quadrichromie / Four-colour
Impression / Printing: Kopa, Ramučiai (Lituanie)
Première édition / First issue: 500 exemplaires / copies
Janvier / January 2018
ISBN: 979-1-096155-06-4
EAN: 9791096155064
22 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Bienvenue
Ravisius Textor fut le nom latin d’un humaniste nivernais: Jean Tixier de Ravisi, grammairien, rhétoricien, professeur dans les collèges et les universités parisiens, un des premiers compilateurs renaissants sous la forme de ces éditions qu’on appelait alors cornucopiae ou cornes d’abondance.
Ravisius Textor est aujourd’hui le nom d’un petit espace, situé dans le centre historique de Nevers, qui propose une librairie spécialisée graphisme, art contemporain, design; un espace de reprographie Riso et de façonnage; enfin un espace d’exposition, d’ateliers et de conférences.
Ravisius Textor est le nom du projet pédagogique d’un espace d’animation et de diffusion du graphisme, de la scénographie et du design géré avec des étudiants et porté par Tombolo Presses.
Ravisius Textor was the Latin name of Nivernais humanist Jean Tixier de Ravisi, a grammarian, rhetorician, college and university professor in Paris and one of the first Renaissance compilers who worked to achieve these editions, which were then called cornucopia or horns of plenty.
Today, Ravisius Textor is the name of a small space and bookshop specializing in graphic design, contemporary art and design, located in the historical center of Nevers – a space for Riso reprography and book finishing, and more generally for workshops, exhibitions and conferences.
Ravisius Textor is the name of the educational project of a student-run space supported by Tombolo Presses dedicated to the diffusion of graphic design, scenography and design.
Ouverture / Opening: Novembre / November 2017
Aménagement intérieur / Interior design: DDMW David des Moutis
Signalétique / Signage: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Ravisius Textor est soutenu par le Ministère de la Culture - DRAC Bourgogne—Franche-Comté, la Région Bourgogne—Franche-Comté, le Conseil départemental de la Nièvre, Nevers Agglomération et la ville de Nevers.
BOY: une anthologie arrangée et séquencée par Sarah Vadé d’annonces presse parues dans le magazine Playboy US de 1960 à 2003. Un essai visuel de genre décrivant l’univers visuel masculin de la deuxième moitié du 20e siècle à partir d’un magazine constitué à 50% de publicités. Un exercice de montage chronologique et plastique de ce qui a pu constituer le charme visuel moderne hétérosexuel. 800 pages de publicités de charme à l’adresse des hommes du 20e siècle en 400 pages éditées et arrangées par une jeune femme du 21e siècle.
BOY: an anthology of ads selected and sequenced by author Sarah Vadé and published in the American edition of Playboy magazine from 1960 to 2003. A visual essay describing the masculine visual universe of a magazine filled 50 percent with ads from the second half of the 20th century. 800 pages of glamour ads targeting the 20th century male population, patiently converted into a 400-page publication by a young woman of the 21st century.
20,5 x 27 cm
400 pages
Couverture / Cover: Lumi art 250 g
Pages intérieures / Inside pages: Nova press 80 g Stora Enso
Reliure: Dos carré collé / Perfect binding
Quadrichromie / Four-colour
Impression / Printing: Printall, Tallinn (Estonie)
Première édition / First issue: 1300 exemplaires / copies
Octobre / October 2017
ISBN: 979-10-96155-04-0
EAN: 9791096155040
25 € + 5 € de frais de port / shipping costs
BOY
SCREEN, une édition d’artiste multimédia par Arthur Fouray qui articule des peintures/sérigraphies sur coussins et un imprimé papier. Cette publication pose un point d’entrée à une recherche qu’Arthur Fouray a commencée en 2015 avec son exposition personnelle «Spectre » à l’espace Quark à Genève. Par l’histoire de l’art et de la décoration, il y questionne le déplacement entre la peinture pré-révolution industrielle et l’expérience cinématographique. Il propose au regardeur une expérience artistique qui annonce son propos par une forme implicite.
SCREEN is a multimedia artist book by Arthur Fouray. Its title, embodies his artistic process which spreads here across two main formats: painting/serigraphy on cushions and a printed material. The publication sets a comprehensive entry point into a research that Arthur Fouray began in 2015 with his solo show «Spectre » at espace Quark, Geneva. Through art and decoration history, he questions the shift between painting before the industrial revolution and the cinematographic experience. He proposes to the onlooker an art experience which teases the unsaid.
Edition, conception graphique / Edition, layout: Arthur Fouray
21 sérigraphies réalisées à DOC! Paris
Caractères / Typefaces: «Franklin Gothic STD »
Langue / Language: English
11 x 18 cm
104 pages
Papier / Paper: Papier bouffant avec bois / Bulky paper
Toner noir / Black toner printing
Impression / Printing: Firmin Didot, Mesnil-sur-l’Estrée (France)
Première édition / First issue: 500 exemplaires / copies
Mai / May 2017
ISBN: 979-10-96155-05-7
EAN: 9791096155057
10 € + 5 € de frais de port / shipping costs
SCREEN
Le catalogue de l’exposition «Ce que l’édition fait à l’art, Extraits d’une collection» a été réalisé par les étudiants de première année mention Design Graphique du Diplôme supérieur d’arts appliqués (Dsaa) de Bourgogne sous la direction d’Angeline Ostinelli, Antoine Bertaudière et Florence Aknin. L’exposition de livres d’artistes issus de la collection de Jean-Paul Guy et de leurs lectures par les étudiants s’est tenue conjointement à la Galerie éSpé / Art contemporain de l’École Supérieure du Professorat et de l’Éducation et à l’École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne (Ésaab), du 3 février au 11 mars 2017.
The exhibition catalogue «Ce que l’édition fait à l’art, Extraits d’une collection» has been compiled by first-year graphic design students of the Diplôme supérieur d’arts appliqués (Dsaa) de Bourgogne under the supervision of Angeline Ostinelli, Antoine Bertaudière and Florence Aknin. The exhibition features books and artists from the Jean-Paul Guy collection, and readings by the students took place at both the éSPé/contemporary art gallery of the École Supérieure du Professorat et de l’Éducation and the École Supérieure d’Arts Appliqués de Bourgogne (Ésaab) from February 3 to March 11, 2017.
Catalogue de l’exposition «Ce que l’édition fait à l’art, Extraits d’une collection»
Commissariat de l’exposition / Curators: Florence Aknin, Antoine Bertaudière, Pierre-Luc Darnaud, Grégory Marion, David des Moutis, Angeline Ostinelli et les étudiants de l’Ésaab de Dsaa 1, mentions Espace, Image et Objet.
Texte / Text: Jérome Dupeyrat
Conception graphique / Layout: Angeline Ostinelli, Antoine Bertaudière et Florence Aknin
Maquette / Artwork: Ninon Chaboud et Charlotte Morineau
Caractères / Typefaces: «Peckham » (Alex Chavot, 2015)
Langue / Language: Français
17 x 23 cm
160 pages
Couverture / Cover: Munken Polar 300 g
Pages intérieures / Inside pages: Munken Polar 120 g
Quadrichromie / Four-colour
Impression / Printing: Graphius, Gand (Belgique)
Première édition / First issue: 400 exemplaires / copies
Mars / March 2017
ISBN: 979-10-96155-02-6
EAN: 9791096155026
20 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Ce que l’édition fait à l’art, Extraits d’une collection
Revue délimitée à l’extérieur et à l’avant par les lèvres, à l’intérieur par la langue en bas, le palais en haut, le gosier à l’arrière, renfermant avec les mâchoires, les gencives et les dents, les organes sécréteurs de la salive et ceux, récepteurs, du goût; constituant l’orifice initial du tube digestif; communiquant avec les voies respiratoires et contribuant à l’émission de la voix articulée, de la parole.
This publication, provided with lips out front, a tongue inside below, a palate above and a throat behind, opens and closes with jaws. With teeth and gums and salivary glands and taste buds, it is the initial opening of the digestive tract. It is connected to the respiratory tract and contributes to the articulated emission of the voice: speech.
Édition et sourire graphique proposés par la Station d’arts poétiques — ÉNSBA Lyon.
Station d’arts poétiques: Patrick Beurard-Valdoye, Jérôme Mauche, Alexandru Balgiu et les étudiants de l’ÉNSBA Lyon de Dnsep Art 4e et 5e années et de Dna Design Graphique 2e année.
Mai / May 2016
39 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
La revue Parlante n°01
Recueil de récits et de textes d’essence théorique, La vie et la mort des œuvres d’art entend poursuivre l’entreprise abordée par l’exposition éponyme au Cneai (Chatou, France) en 2014, et lors du panel de discussion organisé chez Treize (Paris, France) en novembre de la même année. Avec pour point de départ une collection d’objets qui furent des œuvres d’art et ne le sont plus, ce livre s’intéresse à différentes continuités matérielles et perceptibles traversées par la définition d’œuvre d’art. Il convoque plus généralement un certain nombre de questions liées à l’ontologie de l’œuvre d’art: de quelle manière une œuvre s’inscrit-elle dans la continuité matérielle de la forme qui la contient et l’excède ? De quelle façon ce temps de l’œuvre au sein de l’objet excède-t-il à son tour la durée d’une vie humaine ? Quelles raisons et quelles pratiques président à la conservation et l’entretien d’un artefact ? La vie et la mort des œuvres d’art se tient là où l’œuvre cesse, et tente d’écrire ce qu’elle devient. Recouvrement mutuel des figures de l’artiste et du restaurateur, chimères technologiques, entités biologiques substituées à l’intérieur d’une œuvre pour sa conservation, reconstitutions muséales, hyper-restauration, œuvres re-configurées physiquement et œuvres re-configurées chimiquement sont autant d’exemples qui composent les paysages de cet ouvrage.
A collection of stories and theoretical texts, The life and death of works of art acts as an extension to the 2014 eponymous exhibition at Cneai (Chatou, France) and the panel discussion organized at Treize (Paris, France) in November of the same year. This book, starting with a collection of items that used to be works of art but no longer are, focuses on various material and perceptible continuities crossed by the definition of a work of art. More generally it raises a number of issues on the ontology of the work of art: how does a work of art inscribe itself in the material continuity of the object that contains it and surpasses it ? How does the lifespan of a work of art within its object then surpass a human being’s lifespan ? Which reasons and which practices govern the conservation and preservation of an artifact ? The life and death of works of art starts where the artworks ceases to be, to find interest in what it becomes. The artist and restorer’s mutually overlapping figures, technological chimeras, biological entities substituted inside the work of art for preservation purposes, museum-targeted reconstitutions, hyper restoration, physically or chemically reconfigured artworks – these are all examples making up the landscape of this book.
Octobre / October 2016
ISBN: 978-2-9546842-8-4
EAN: 9782954684284
19 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
La vie et la mort des œuvres d’art
Édition de trois livrets qui se propose de raviver des dispositifs militaires de la Première et Seconde Guerre mondiale, tombés en désuétude avec l’arrivée du radar en 1932. Par une collecte d’archives et d’images produites par l’artiste – enveloppées d’un étui textuel – cette édition offre au regard ces objets inanimés mais néanmoins défensifs. Vénérés pour eux-mêmes, cette collecte tente de ré-invoquer les charmes surnaturels et bénéfiques que l’homme leur a octroyé en situation de crise: celles de solliciter la magie des phénomènes visuels et auditifs pour présager et conjurer les dangers à venir.
An edition of three booklets that aims to revive the WW1 and WW2 military devices rendered obsolete by the arrival of the radar in 1932. Through the artist’s gathering of archives and images – wrapped with textual layout – this edition offers the reader a look at these inanimate, though defensive, objects. Revered as relics, this collection attempt to re-invoke the uncanny and beneficial charms that man has bestowed upon them in a time of crisis, highlighting the magic of visual and auditory phenomena as a means to foreshadow and ward off the dangers to come.
Textes / Texts: Lauren Tortil et Tacita Dean (extrait de «Seven Books Grey »)
Images: Lauren Tortil, U.S. Naval History and Heritage Command, Collections of the National Archives, Imperial War Museum et Wallsdorp Museum
Conception graphique / Layout: Jérémy Barrault et Lauren Tortil
Caractères / Typefaces: «Roland5 » (Jérémy Barrault, 2012) et «Brag Stencil » (Dave Rowland pour Schizotype foundry, 2011)
Langue / Language: Français
22 x 29,7 cm
72 pages
3 livrets encartés, piqués / Inserted booklets, saddle stitching + poster
Plis asymétriques / asymmetrical folds
Laser noir / Black laser printing
Impression / Printing: Jérémy Barrault et son imprimante laser
Première édition / First issue: 50 exemplaires / copies
Juin / June 2016
ISBN: 978-2-9546842-9-1
EAN: 9782954684291
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Miroirs acoustiques, Camouflage Dazzle, Grandes oreilles
Alexander Connolly & Olivier Caillois
We must call vertigo every attraction of which the first effect is to surprise and stupefy the instinct of self-preservation. The being finds himself swept towards his ruin and seems persuaded by the very vision of his own annihilation not to resist the power which has seduced him with dread. This force robs one of the strength to say no, when reflection would provide a basis for intelligent thought and free choice.
20 serviettes de table imprimées / printed napkins
40 pages
33 x 33 cm
3 plis / folds
18 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Bibliomania, Chapter Two: To Have and To Have No More
Alexandru Lebrun & Olivier Balgiu
The watch is a liar!
Give up your toast!
Give up your lawn!
Give up your neighbors!
Give up your car!
Give up your appointments!
Give up your wallet!
Give up your laundry!
Give up Google Maps!
Give up your eyelids!
Give up your species!
Quit shaving!
Lose your bearings!
Leave H₂O behind!
Go read!
Edition of two bookmarks, disseminated freely amongst the pages of the Tombolo Presses publications.
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Bibliomania, Chapter One and a Half: Bookworms in the California Room
Le premier catalogue monographique de Sarah Tritz se structure autour de la documentation de la succession des expositions personnelles de l’artiste. Le travail de montage des différences techniques, tonales et culturelles que développent les œuvres et les accrochages de Sarah Tritz tente de trouver un écho dans le contexte physique de la séquence de l’espace des pages. Le propos est soutenu et éclairé par les textes de Claire Moulène et de Paul Bernard ainsi que par un entretien de l’artiste avec Sandra Patron et Franck Balland.
Sarah Tritz’s first monographic catalogue is structured around documenting the artist’s series of personal exhibitions. The editing of the technical, tonal and cultural differences developed in Sarah Tritz’s work and exhibition design attempts to echo the sequencing of space throughout the catalogue’s pages. The subject is elaborated upon further in Claire Moulène’s and Paul Bernard’s texts, as well as by an interview with Sandra Patron and Franck Balland.
Textes / Texts: Paul Bernard et Claire Moulène
Entretien / Interview: Franck Balland, Sandra Patron et Sarah Tritz
Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Langue / Language: Français
20 x 30 cm
180 pages + Jaquette / Dustjacket
Couverture / Cover: Cardboard 240 g
Pages intérieures / Inside pages: Coated paper 115 g Gloss
Reliure / Binding: Dos carré cousu / Stitched binding
Quadrichromie / Four-colour
Impression / Printing: Kopa, Ramučiai (Lituanie)
Première édition / First issue: 700 exemplaires / copies
Janvier / January 2016
ISBN: 978-2-9546842-4-6
EAN: 9782954684246
30 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Sarah Tritz
Editée depuis 2010 par l’historien de l’art Remi Parcollet avec les artistes Aurélien Mole et Christophe Lemaitre, Postdocument est une revue en seize numéros qui traite exclusivement de la photographie de vue d’exposition sous la forme d’une sélection iconographique légendée, renouvelée pour chaque numéro en relation avec l’une des entrées qui constituent les légendes (titre de la pièce, lieu de l’exposition, courtesy, support, etc.).
A mi-chemin de la totalité du projet, le reader de Postdocument remet en forme tous les sept premiers numéros sous la direction du studio de design graphique Spassky Fischer.
Le huitième numéro, exclusivement publié au sein de ce livre, est consacré à l’entrée « Dimensions » (de l’œuvre). Cette huitième séquence rassemble des vues d’exposition réalisées dans des institutions culturelles occupant des espaces post-industriels. Cette typologie architecturale, de par son influence sur les formes artistiques et leurs échelles (notamment au sein des biennales par exemple, souvent contextes de production), participe à l’écriture de l’histoire de l’art d’aujourd’hui. C’est ainsi l’histoire de l’architecture qui instruit l’histoire de l’art, avec pour relation anachronique cet écho de l’art contemporain à l’architecture productiviste industrielle passée.
Published since 2010 by art historian Remi Parcollet and artists Aurélien Mole and Christophe Lemaitre, Postdocument has been dedicated to the photography of artworks in the exhibition context. It showcases a curated selection of pictures taken by amateur or professional photographers next to an extended caption. Each issue features exhibition views selected according to one of the 16 permanent entries making up the published pictures’ captions (title, institution, courtesy, photographer...). Postdocument will ultimately consist of 16 issues.
Midway of the entire project, the Postdocument Reader reshapes the previous 7 issues under the direction of graphic design studio Spassky Fischer.
Exclusively published in this book, issue number 8 focuses on the entry “Dimensions” (of the work). This eighth sequence brings together exhibition pictures taken in cultural institutions occupying post-industrial spaces. This architectural typology, given its influence on art practices and on their scales (within biennales, for example, often considered a context for production), takes part in the writing of today’s art history. The history of architecture thus informs art history in an anachronistic relationship where contemporary art echoes the productivist architecture of a former industrial time.
Le catalogue Le Double et son Modèle a été édité en souvenir de l’exposition « Le Double et son Modèle », présentée à la galerie Arko, dans le cadre du cycle « Double-Mixte ». « Double-mixte » proposé par Thierry Chancogne à l’invitation de Cécile Archambault, responsable de la galerie Arko. Le principe de ce cycle d’expositions consistait à demander à un graphiste de travailler avec un tiers de son choix pour construire l’exposition d’un graphisme en fonctionnement. Ce programme connut deux occurrences: du 22 janvier au 18 mars 2011, Coline Sunier et Charles Mazé invitèrent BAT éditions et Benoît-Marie Moriceau; du 11 février au 8 avril 2012, officeabc invita une chorale d’auteurs et d’artistes.
Le Double et son Modèle est un remake du catalogue dessiné par Inge Ketelers pour l’exposition «Daniel Buren. Le Décor et son Double» au S.M.A.K. de Gand en 2011. À travers sa forme évidente de doublure, ainsi que par ses textes interrogeant les notions de substitution et de mémoire, le catalogue revient sur la mémoire d’une exposition. Il était accompagné, durant les différentes manifestations où il fut présenté, par un unique catalogue «Antichambre » disponible en consultation.
The catalogue Le Double et son Modèle was published as a commemoration of the exhibition «Le Double et son Modèle» at the Arko gallery as part of the «Double-Mixte» cycle. Invited by Cécile Archambault, head of the Arko gallery, Thierry Chancogne came up with the idea of «Double-mixte». The main idea behind this cycle consisted in requesting a graphic designer to work with a third party of their choice to build the exhibition on a graphic design «in motion». This programme occurred twice: from January 22 to March 18, 2011, with Coline Sunier and Charles Mazé inviting the BAT editions and Benoît-Marie Moriceau; and from February 11 to April 8, 2012, with officeabc inviting a choir of authors and artists.
Le Double et son Modèle is a remake of Inge Ketelers’ catalogue for the 2011 exhibition «Daniel Buren. Le Décor et son Double» at S.M.A.K., Ghent. The catalogue, through its structure as well as through its texts exploring the notions of substitution and memory, evokes the sensory experience of an exhibition. Upon presentation of the exhibition at events, it came with a unique «Antichambre» catalogue available for consultation.
Catalogue Le Double et son Modèle
Commissariat de l’exposition / Curators : officeabc avec Arnaud Daffos, Marie Clément-Welles et la participation d’Alexandru Balgiu, Xavier Bouyssou, Marcelline Delbecq, Alexandre Giroux, Fabien Guiraud, Vincent Lalanne, Christophe Lemaitre, Fabrice Mabime, Hélène Meisel, Josué Rauscher et Pierre Vanni
Conception éditoriale et graphique originale / Original layout: Inge Ketelers avec Daniel Buren, Philippe Van Cauteren, Jan Debbaut, Anton Herbert et Maria Schnyder
Conception éditoriale et graphique doublée / Dubbed edition and layout: officeabc assisté de Rémi Forte
Textes / Texts: Thierry Chancogne, Jérôme Dupeyrat, Christophe Lemaitre et officeabc
Nouvelle graphique / Graphic novel: Xavier Bouyssou
Langue / Language: Français
21,6 x 28,7 cm
24 pages
3 cartes postales / postcards
Noir offset + fluo / Black offset printing + fluo Impression / Printing: Ogham-Delort, Toulouse (France)
Première édition / First issue: 70 exemplaires / copies
Mars / March 2015
ISBN: 78-2-9546842-6-0
EAN: 782954684260
10 € + 5 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Catalogue Antichambre
Conception éditoriale et graphique / Edition, layout: officeabc
Langue / Language: Français
21,6 x 28,7 cm
56 pages
Mars / March 2015
ISBN: 978-2-9546842-7-7
EAN: 9782954684277
Disponible uniquement pour consultation à Ravisius Textor, Nevers / available only for consultation at Ravisius Textor, Nevers
Le Double et son Modèle
Illustrateur de livres, peintre d’inspiration symboliste, créateur avec son frère Jacques du Théâtre Minuscule, fondateur de plusieurs revues, André Peyrot des Gachons fut aussi un esprit curieux intéressé par les sciences. Observateur du Bureau central météorologique dès 1913 et jusqu’à sa mort en 1951, il appartenait au réseau des passionnés de météorologie qui ont, jour après jour, mesuré et soigneusement décrit l’état de l’atmosphère. Il a réalisé 70 000 aquarelles dont 9 600 aquarelles météorologiques. Une sélection de ces œuvres, mises à disposition par Météo France, les Archives Nationales et des prêteurs privés, furent présentées dans le cadre de l’exposition «Des Gachons, aquarelles météorologiques» à Treize, sous le commissariat de Fanny Schulmann.
A book illustrator, symbolic painter, creator of the Théâtre Minuscule along with his brother Jacques, and founder of several publications, André Peyrot des Gachons also expressed an interest in science. An observer at the Central Bureau of Meteorology from 1913 until his death in 1951, he was part of network of meteorological enthusiasts who, day after day, carefully described and measured the state of the atmosphere. He completed 70,000 watercolors, including 9,600 meteorological ones. A selection of his works made available by Météo France, the National Archives, and private collectors were presented as part of the exhibition «Des Gachons, aquarelles météorologiques», curated by Fanny Schulmann at Treize.
Publication de l’exposition « Des Gachons, aquarelles météorologiques » à Treize
Commissaire / Curator: Fanny Schulmann
Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Langue / Language: Français
Poster 60 x 80 cm
2 plis croisés / Cross folds
Quadrichromie / Four-colour
Juin / June 2015
ISBN: 978-2-9546842-5-3
EAN: 9782954684253
5 € + 3 € de frais de port / shipping costs
ÉPUISÉ / SOLD OUT
Des Gachons, aquarelles météorologiques
Penser la publication du 25e Chaumont Design Graphique, non comme un catalogue traditionnel et documentaire des concours et des expositions, mais comme un espace autonome et pluriel.
Penser cette édition comme un lieu de la contradiction susceptible, tout à la fois, de fédérer les différents acteurs de notre discipline fragile et de faire un peu le point sur ses états et ses perspectives.
Telles sont les ambitions d’une publication pensée pour faire jouer la marelle des métiers et des points de vue qui peuvent constituer ce qu’on appelle le graphisme aujourd’hui.
Son nom, Eigengrau, la lumière perçue par un œil plongé dans l’obscurité la plus totale. La pulsion scopique. La volonté de dire le voir et ses conditions.
Son principe: proposer à un panel de praticiens, de techniciens, de pédagogues, de théoriciens, de médiateurs, d’institutionnels… d’ici et d’ailleurs, du champ disciplinaire et de ses marges, d’envisager un texte ou une production graphique depuis chaque situation, de témoigner d’une histoire, d’une production, de proposer un horizon prospectif ou rétrospectif, en tentant d’embrasser les différences, d’interpoler les temps et les expériences.
Imagining the publication of the 25th Chaumont Design Graphique, not as a traditional catalogue that would document the contest and exhibition, but as an autonomous and plural space. Opening a space for contradiction that would simultaneous enable gathering various actors to play a part in our fragile discipline while evaluating the situation, its state and its perspectives. These are the objectives of publication envisioned as a “hopscotch” on which the reader could hop, approach and reach the different practices and point of view that make up what we call graphic design, as it is today. Its name Eigengrau, refers to the specific type of light that the eye perceives in pitch black darkness. The scopic urge. A willingness to see even during obscure times. A desire to voice both what is seen and its conditions. The process entailed inviting a panel of practitioners, technicians, pedagogues, mediators, politicians and members of various institutions… from here and from elsewhere, from the graphic design field and beyond, all to discuss their situation, to contribute a text or a graphic design proposal, to share their story, their production process in the hopes of proposing a prospective or retrospective horizon. All this as we try to embrace the differences, interpolating both time and experiences.
Direction éditoriale / Editors: Alexandru Balgiu, Thierry Chancogne, Étienne Hervy et Olivier Lebrun
Micro-écritures / Micro-writings: Alexandru Balgiu avec Thierry Chancogne
Contributeurs / Contributors: 220 Days, Archive Books, Michel Aphesbero et Danièle Colomine, Marco Balesteros, Ludovic Balland, BAT éditions, Fernand Baudin, Derek Beaulieu, Pascal Béjean et Nicolas Ledoux, Alex Bettler, Andrew Blauvelt & Emmet Byrne, Marie de Brugerolle, Building Paris, Cassochrome, Castillo Corrales, Roger Chartier, Charlotte Cheetham, Julio Cortázar, Sebastian Cremers & Tania Prill, Marcelline Delbecq, Sophie Demay, De Stihl, Linda van Deursen, Markus Dressen, Roland Früh, Alaric Garnier, Catherine Guiral et Brice Domingues, Hato Press, David Horvitz, Louis Lüthi, Thomas Huot-Marchand et Alice Savoie, Gérard Ifert, Christophe Jacquet dit Toffe, Olivier Lellouche, Marie Lusa, Thomas Mailaender, Ugo Mari, Fanette Mellier, Étienne Bernard et Sandra Patron, John Morgan, Moniker, Sébastien Morlighem, Fraser Muggeridge, Karl Nawrot, Samuel Nyholm, Radim Peško, Pierre Ponant, Manuel Raeder, François Rappo, Brian Roettinger, Felix Salut, Mathias Schweizer, Spassky Fischer, Triin Tamm, Alice Twemlow, Bruno Ughetto, Véronique Vienne, Helmut Völter et Erik van der Weijde
Photographie des marelles / Hopscotch pictures: Simone Cavadini et Hugo Deniau
Conception graphique / Layout: Olivier Lebrun avec Alexandru Balgiu
Caractères / Typefaces: «Artworld » (J. Dresscher), «Verily » (Stephen G. Hartke), «Monospace 821 » (Max Miedinger) et «Traulha » (Yoann Minet)
Traductions / Translations: Katie Dallinger, Alexandru Balgiu et Susanne Schroeder
Edition bilingue / Bilingual edition: Français, English
19 x 28,5 cm
704 pages
Couverture / Cover: Munken Lynx Rough 150 g
Pages intérieures / Inside pages: Munken Print White 90 g
HUV offset noir / Black HUV offset printing
Impression / Printing: Cassochrome, Waregem (Belgique)
Première édition / First issue : 1500 exemplaires / copies
Mai / May 2014
Editeur / Publisher: Chaumont design graphique éditions
ISBN: 979-10-93806-00-6 / 978-9949-33-698-2
EAN: 9791093806006 / 9789949336982
44,90 € + 10 € de frais de port / shipping costs
Le livre, dans sa forme actuelle, est le fruit d’une lente évolution, et il faut toute l’impertinence des artistes pour en questionner la forme, les usages, mais aussi l’histoire. Ce rapport entre la création contemporaine et l’histoire du livre fut le propos central de l’exposition du Scriptorial, musée des manuscrits du Mont-Saint-Michel: «Les artistes face aux livres » qui entendit montrer, sous le commissariat de Barbara Denis-Morel, comment le livre d’artiste peut entrer en résonance avec des collections patrimoniales.
The book, in its current form, is the fruit of a slow evolution, and all the impertinence of artists is needed to question its form, uses and history. The relationship between the book’s contemporary creation and history was the central theme of the exhibition «Les artistes face aux livres » curated by Barbara Denis-Morel at the Scriptorial – a museum of manuscripts at the Mont-Saint-Michel – which aimed to show how the artist’s book echoes heritage collections.
Textes / Texts: Leszek Brogowski, Barbara Denis-Morel, Océane Delleaux, Jérôme Dupeyrat, Antoine Lefebvre et Jean-François Robic, ainsi qu’une documentation lacunaire par Syndicat.
Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer) avec Manon Diemer
Langue / Language: Français
10,8 x 30 cm
160 pages
Reliure: Dos carré collé / Perfect binding
Noir + quadrichromie / Black + four-colour
Impression / Printing: Média Graphic, Rennes (France)
Première édition / First issue: 500 exemplaires / copies
Février / February 2015
ISBN: 978-2-9546842-2-2
EAN: 9782954684222
18 € + 5 € de frais de port / shipping costs
Montrer le graphisme comme lieu de l’exercice et de la médiation de la pensée, y compris technique; montrer que les façons et les surfaces d’impression pensent, que le graphiste est capable d’agir sur les matières de la commande comme sur celles de son support technique, au delà du simple commentaire, en n’excluant pas la sensibilité et la sensualité. Voilà l’ambition des expositions «Monozukuri » ou art de produire («zukuri ») des choses («mono »), consacrées au façonnage des objets imprimés «Monozukuri, façons et surfaces d’impression » après un premier volet dédié à l’impression «Monozukuri, formes d’impression » et de leur catalogue La fille, le fruit, le perroquet et la piqûre à cheval.
Showing graphic design as a place for practice and mediation of thought, including technical thinking; showing that the printing methods and surfaces go through a thought process; showing that the designer is able to influence the matter of the order, as that of his technical medium, beyond a simple commentary and without excluding sensitivity and sensuality. Such are the ambitions of the «Monozukuri» exhibitions – the art of making (« zukuri ») things (« mono ») – dedicated to the shaping of printed objects «Monozukuri, printing ways and surfaces». These exhibitions follow a first installment dedicated to printing «Monozukuri, printing forms» and the catalogue La fille, le fruit, le perroquet et la piqûre à cheval.
Entretien / Interview: Thierry Chancogne et Jérôme Dupeyrat
Images: Aurélien Mole
Conception graphique / Layout: Syndicat (Sacha Léopold et François Havegeer)
Langue / Language: Français
20,5 x 30,5 cm
148 pages
Noir + quadrichromie / Black + four-colour
Impression / Printing: Média Graphic, Rennes (France)
Première édition / First issue: 1000 exemplaires / copies
Mai / May 2013
ISBN: 978-2-9546842-0-8
EAN: 9782954684208
15 € + 5 € de frais de port / shipping costs
La fille, le fruit, le perroquet et la piqûre à cheval
Tombolo Presses
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SIRET: 797 587 797 00011 / APE: 9499Z
Siège social: 17 rue Aublanc 58000 Nevers tombolopresses@t-o-m-b-o-l-o.eu Directeur de la publication: Thierry Chancogne
Développement et design graphique: Manuel Zenner, Sacha Léopold
Traduction: Matthieu Ortalda, Sarah-Camille Malandain
Hébergement: OVH SAS - 2 rue Kellermann 59100 Roubaix
Tél.: 09 72 10 10 07
Tombolo Presses reçoit le soutien du Ministère de la Culture — DRAC Bourgogne—Franche-Comté
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